野兽派 vi设计

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• 毕加索的英文配中文介绍
• 【曼德企服】名字究竟多重要？起底创业公司“起名术”

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毕加索的英文配中文介绍oAE创意岭 - 安心托付、值得信赖的品牌设计、营销策划公司

毕加索英文简介
Introduction
Picasso, Pablo Ruiz y (1881-1973), Spanish painter, sculptor, printmaker, draughtsman, designer, and ceramicist who spent most of his career in France. He was the most famous and prolific artist of the 20th century and exercised enormous influence on his contemporaries.
II. Early Life and Work
Picasso was born in Málaga on October 25, 1881, the first child of a middle-class family. His father José Ruiz Blasco was a mediocre painter who earned his living as a teacher of drawing. Like many Spaniards, Picasso took his mother's family name as his surname.
Picasso showed artistic talent at an early age. His first surviving drawings were done when he was nine. By his early teens, it was clear that he was exceptionally gifted. In 1895 his family had moved to Barcelona, and from 1896 to 1897 he studied at the School of Fine Arts there. His large academic canvas Science and Charity (1897, Museo Picasso, Barcelona), depicting a doctor, a nun, and a child at a sick woman's bedside, won a gold medal when it was exhibited in Málaga. He then spent a few months at the Academy of Fine Arts in Madrid, but by this time—aged only 16—he already had his own studio in Barcelona and was eagerly experimenting with a variety of styles.
III. The Blue Period
In 1900 Picasso made his first visit to Paris, the goal of every ambitious artist, and for the next four years he divided his time between there and Barcelona. He found the bohemian street-life of Paris fascinating, and his pictures of people in dance halls and cafés show how he assimilated the Post-Impressionism of Paul Gauguin and of the Symbolist painters called the Nabis. The themes he found in the work of Edgar Degas and Henri de Toulouse-Lautrec, as well as the style of the latter, exerted the strongest influence. Picasso's Blue Room (1901, Phillips Collection, Washington, D.C.) reflects the work of both these painters and, at the same time, shows his evolution towards the Blue Period, so called because various shades of blue, well suited to the melancholic subjects that he favoured at that time, dominated his work for the next few years (1901-1904). Expressing human misery, the paintings portray blind people, beggars, alcoholics, and prostitutes, their somewhat elongated bodies reminiscent of the style of El Greco.
IV. The Rose Period
In 1904 Picasso settled in Paris, living in a shabby building known as the Bateau-Lavoir (“laundry barge”, which it resembled). He met Fernande Olivier, the first of many companions to influence the theme, style, and mood of his work. The next year or so of his life is known as his Rose Period, when blue was replaced by pink as the predominant colour in his work. His subjects became more cheerful and included many scenes of the circus, which he frequently visited, and circus performers—bohemians outside respectable society—with whom he identified. One such painting of this period is Family of Saltimbanques (1905, National Gallery, Washington, D.C.); in the figure of the harlequin, Picasso represented his alter ego, a practice that he repeated in later works.
In 1909 Picasso moved out of the Bateau-Lavoir into an apartment with a maid. By this time he had attracted influential patrons, such as the American writer Gertrude Stein, whose portrait he painted (1906, Metropolitan Museum of Art, New York), and had gained the support of the art dealer Daniel-Henri Kahnweiler, whom he met in 1907. Kahnweiler introduced Picasso to Georges Braque, another young artist whose work he handled.
V. Cubist Painting
In the summer of 1906, during a stay in Gosol, a remote Catalan village in the Pyrenees, Picasso's work entered a new phase, marked by the influence of Greek, Iberian, and African art. The key work of this early period is Les Demoiselles d'Avignon (1907, Museum of Modern Art, New York); the title comes from the name of a street in the red-light district of Barcelona and the painting depicts five prostitutes, their figures aggressively distorted and the faces of two of them recalling the African masks that Picasso admired and collected at this time. So radical in style was this picture—its surface resembling fractured glass—that it was not understood even by contemporary avant-garde painters and critics. Spatial depth is absent and the ideal form of the female nude is restructured into facets—the essential features that distinguish Cubism.
From the time of their first meeting in 1906 until the outbreak of World War I, Picasso and Braque worked closely together. Inspired by the volumetric treatment of form seen in the late work of Paul Cézanne, they began to paint landscapes in a style later described by a critic as being made of “little cubes”, thus leading to the term “Cubism”. They were concerned with breaking down and analysing form, and together they developed the first phase of Cubism, known as Analytical Cubism. Monochromatic colour schemes were favoured in their depictions of radically fragmented motifs, whose several sides were shown simultaneously. Picasso's favourite subjects were musical instruments, still-life objects, and his friends; one famous portrait is Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art Institute of Chicago). In 1912, pasting paper and a piece of oilcloth to the canvas and combining these with painted areas, Picasso created his first collage, Still Life with Chair Caning (Musée Picasso, Paris).
The technique marked the transition to Synthetic Cubism. This second phase of Cubism is more decorative, with colour playing a major role. Picasso used Synthetic Cubism throughout his career, but by no means exclusively. Two works of 1915 demonstrate his simultaneous work in completely different styles: Harlequin (Museum of Modern Art, New York) is a Synthetic Cubist painting, whereas a fine pencil drawing of his dealer, Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), is executed in his Ingresque style, so called because the draughtsmanship emulates that of the 19th-century French Neo-Classical artist Jean Auguste Dominique Ingres.
VI. Cubist Sculpture
While he was creating this revolution in painting, Picasso was doing almost equally innovative work in sculpture. Traditionally there had been two approaches to sculpture—modelling (in which the form is built up from a substance such as clay) and carving (in which the form is created by removing material from a block of stone or other suitable material). Picasso changed this by putting together sculpture from pieces of commonplace material (a development of the collage elements that he sometimes included in his Cubist paintings). An example is Guitar (1912, Musée Picasso, Paris), made of cardboard, paper, and string.
Picasso's sculptures in this vein were generally small and almost in the nature of jokes, but the idea was soon taken up by other sculptors in much more ambitious form. Among them was the Russian painter and sculptor Vladimir Tatlin, who visited Picasso in 1914. Tatlin's variations on Picasso's method became the foundation of Constructivism, a major movement in abstract art.
VII. Realism and Surrealism
After the outbreak of war in 1914, Picasso continued to work in Paris. In 1917 he visited Rome with the writer Jean Cocteau to meet the Russian ballet impresario Sergei Diaghilev, whose company was preparing for a production of Parade (the storyline of which was by Cocteau and the music by Erik Satie). Picasso designed the costumes and drop curtain. One of Diaghilev's dancers, Olga Koklova, became Picasso's first wife. In a realist style, Picasso painted several portraits of her around 1917, of their son (for example, Paulo as Harlequin; 1924, Musée Picasso, Paris), and of numerous friends. The couple moved into a grand apartment in Paris and Picasso became part of the fashionable world, losing touch with his bohemian youth.
In the immediate post-war period Picasso painted for a time in a style that has been called “classical” and that marked a reaction against the experimental fervour of the pre-war years. Several of Picasso's most imposing works of this time feature monumentally powerful figures that have something of the solidity and grandeur of ancient sculptures, for example Three Women at the Spring (1921, Museum of Modern Art, New York). Others, such as The Pipes of Pan (1923, Musée Picasso, Paris), were inspired by mythology.
This serenity was short-lived, however, for in the mid-1920s Picasso became interested in Surrealism and then started painting violently expressive pictures that reflected his despair at his increasingly unhappy marriage. The Three Dancers (1925, Tate Gallery, London) is a key work in this phase of his career.
Several Cubist paintings of the early 1930s, stressing harmonious, curvilinear lines and expressing an underlying eroticism, reflect Picasso's pleasure with his newest love, Marie Thérèse Walter, who gave birth to their daughter Maïa in 1935. Marie Thérèse, frequently portrayed sleeping, was also the model for the famous Girl Before a Mirror (1932, Museum of Modern Art). In 1935 Picasso made the etching Minotauromachy, a major work combining his minotaur and bullfight themes; in it the disembowelled horse, as well as the bull, prefigure the imagery of Guernica, a painting often called the most important single work of the 20th century.
VIII. Guernica
Picasso was moved to paint Guernica shortly after German planes, acting in support of General Franco, bombarded the Basque town of Guernica on April 26, 1937, during the Spanish Civil War. Completed in less than two months, Guernica was hung in the Spanish Pavilion of the Paris International Exposition of 1937. The painting does not portray the event; rather, Picasso expressed his outrage by employing such imagery as a bull, a dying horse, a fallen warrior, a mother and dead child, a woman trapped in a burning building, another rushing into the scene, and a figure leaning from a window and holding out a lamp. Despite the complexity of its symbolism, and the impossibility of definitive interpretation, Guernica makes an overwhelming impact in its portrayal of the horrors of war. It now hangs in Madrid's museum of 20th-century art, the Reina Sofía Art Centre. Dora Maar, Picasso's companion at the time, took photographs of Guernica while the work was in progress.
IX. Later Works
Picasso remained defiantly in Paris during the German occupation of the city in World War II, but after the war he lived mainly in the South of France, in Vallauris from 1948 and at Notre-Dame-de-Vie, a villa in Mougins, from 1961 until his death. He continued to be extremely productive to the end of his long life (not least in ceramics, which he took up in 1946), but it is generally agreed that his post-war output is of lesser importance and interest than his earlier work. He died on April 8, 1973, aged 91.
中文介绍
毕加索作为法国现代画派的主要代表，是一位最富有创造性的艺术家。20世纪的艺术家、特别是西方艺术家，几乎没有未受过他的影响的。毕加索的艺术成就除去绘画以外，还涉及到各种材质的雕塑、陶艺、书籍装帧等方面。毕加索从9岁起就开始作画，无论质还是量，都是惊人的，他的作品约达六万件，仅油画一项就在万件以上。这位天才横溢的艺术家在极其漫长的创作活动的每一刻，似乎想做的都让他准确无误地做到了。
父：荷西·路易兹-布拉斯科
母：玛莉亚·毕加索-洛培兹
1881 10月25日出生于西班牙南部的马拉加
1888/9 7/8岁 在父亲(美术教师)指导下画画。
1889 8岁 完成第一件油画作品，画的是斗牛士。
1895 14岁 进入巴塞隆纳的隆哈美术学校，其父于该校任教。入学考试是古典艺术与静物写生，依规定可有一个月时间完成，毕加索在一天之内就完成了。
1896 15岁 作品"初次领圣体"参加巴塞隆纳美术与工业展。
1897 16岁 进入马德里圣费南多美术学院就读。但常不去上课，比较喜欢去"普拉多美术馆"参观。在那里，他可以接触到西班牙大师的作品：葛雷柯、委拉斯盖兹及哥雅等。 作品"科学与慈善"获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖。
1898 17岁 经常出入"四只猫"酒馆，开始与前卫艺术圈往来。结织卡萨吉玛斯及日后成为其私人秘书的沙巴特斯。
1900 19岁 在"四只猫"酒馆举行首次个展。与卡萨吉玛斯首次前往巴黎，居住于蒙马特区。
1901 20岁 好友卡萨吉玛斯因失恋自杀，触发毕加索以蓝色调作画，蓝色时期开始。在弗拉画廊举行巴黎首次个展，开幕前就卖出15张画。
1902 21岁 完成"蓝色自画像"。
1903 22岁 完成"人生"。以浓郁的蓝色调表示贫、老与孤独的苦难。1900-1903年间三度回西班牙。
1904 23岁 定居于巴黎"洗衣船"。邂逅费尔南德．奥立维并同居，常去观赏马戏团的演出，粉红色时期开始。
1905 24岁 以马戏团题材创作"卖艺人家"等。画展受到重视。结识洁楚·斯坦因兄妹。
1906 25岁 在罗浮宫看到伊比利亚半岛的雕塑展，印象深刻。结识野兽派大师马蒂斯。
1907 26岁 创作"亚维农的少女"。到民俗博物馆看非洲雕塑。参观两个塞尚回顾展。结识布拉克。
1908 27岁布拉克第一次举行立体派画作展。
1909 28岁 解析立体派开始。与布拉克成为邻居。作"费尔南德头像"。
1911 30岁 首次把印刷字母放到构图中。邂逅艾娃·谷维。
1912 31岁 与费尔南德分手。完成第一个拼贴作品"藤椅静物"。与布拉克合作纸贴画，发展出合成立体主义。
1915 34岁 艾娃因肺结核逝世。
1917 36岁 至意大利为俄罗斯芭蕾舞团作舞台设计，邂逅舞者欧嘉．科克洛瓦。
1918 37岁 与欧嘉结婚。因芭蕾而与上流社会接触。与马蒂斯举行联展。
1919 38岁 认识米罗。
1921 40岁 长子保罗(1921-1975)出世。
1922 41岁 创作"海边奔跑的两个女人"。
1924 43岁 以装饰性立体派风格作许多静物画。
1916/7-1924年间多次为芭蕾舞台作设计。
1925 44岁 创作"舞"，首次影射与欧嘉的紧张关系。参加超现实主义的首次展出。
1926 45岁 以集合物手法作"吉他"系列。
1927 46岁 邂逅年仅17岁的玛丽-德雷莎·华特。
1929 48岁 与雕塑家贡萨列斯一起创作雕塑和铁线构成。作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现姻婚危机。结识达利。
1931 50岁 于柏吉卢城堡设立雕塑工作室。参加超现实主义于美国的首展。
1932 51岁 以玛丽-德雷莎为模特儿。
1933 52岁 以雕塑家工作室为题，创作蚀版画 (佛拉系列版画)。费尔南德．奥立维出版回忆录。
1934 53岁 创作以斗牛为题的作品。发表用织物做模型翻制的雕塑作品。
1935 54岁 6月与欧嘉及保罗分居。9月玛丽-德雷莎与毕加索的女儿玛亚出生。
1936 55岁 邂逅南斯拉夫女摄影师兼画家多拉·玛尔。
1937 56岁 创作"格尔尼卡"。
1939 58岁 同时画玛丽-德雷莎与多拉的同姿势肖像。
1943 62岁 邂逅22岁的方斯华姿·吉洛。作集合物"牛头"。
1944 63岁 加入法国共产党。
1945 64岁 于慕洛完成第一批石版画。
1946 65岁 与方斯华姿·吉洛同居。访马蒂斯。
1947 66岁 方斯华姿·吉洛生子克罗德。首次在陶艺家哈米耶工作室中制陶，至1948年共作了2000件陶艺。
1949 68岁 方斯华姿·吉洛生女帕乐玛。为世界和平会议作"鸽子"石版海报。
1950 69岁 获颁列宁和平奖章。
1953 72岁 于玛都拉陶艺工作坊邂逅杰奎琳·洛克。
1954 73岁 与方斯华姿·吉洛分手。马蒂斯逝世(毕加索曾说："只有马蒂斯才是真正的画家")。开始创作德拉克洛瓦的"阿尔及利亚女人"变奏系列。
1955 74岁 欧嘉逝世。
1956 75岁 与克鲁佐共同拍摄电影"毕加索之谜"公映。写信给共产党，抗议俄罗斯入侵匈牙利。
1957 76岁 画委拉斯盖兹"宫女"变奏40余张。
1959 78岁 作马内"草地上的午餐"变奏系列。
1961 80岁 与35岁的杰奎琳结婚。
1963 82岁 绘制"画家与模特儿"系列。巴塞隆纳的毕加索美术馆开幕。布拉克逝世。
1964 83岁 方斯华姿·吉洛出版回忆录，造成毕加索与克罗德及帕乐玛决裂。
1966 85岁 巴黎大皇宫及小皇宫举办大型毕加索回顾展。
1970 89岁 把西班牙家中保存的画作捐赠给巴塞隆纳毕加索美术馆。
作品
1881—1900年 童年时期
1881年 10月25日毕加索出生于西班牙南部的马拉加；
1889年 完成第一件油画作品《斗牛士》；
1895年 进入巴塞罗那的隆哈美术学校；
1897年 进入马德里的皇家圣费南多美术学院就读，油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖；
1900—1903年 蓝色时期
1902年 完成“蓝色自画像”；
1903年 完成《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；
1904—1906年 玫瑰时期
1904年 开始定居巴黎的“洗衣船”，玫瑰时期开始。邂逅费尔南德·奥利维叶，并同居：
1905年 创作《拿烟斗的男孩》并被慈善家约翰·海惠特尼女士以3万美元重金购得；
1906年 结识野兽派大师马蒂斯，为美国作家兼收藏家菖楚·斯坦因画像，《斯坦因画像》是毕加索从“玫瑰时期”跃入“立体主义”的跳板；
1907—1916年 立体主义时期
1907年 结识布拉克，开始立体派风格创作，创作《亚威农少女》；
1909年 解析立体派开始；创作《费尔南德头像》；
1917—1924年 古典时期
1917年 在意大利邂逅舞者欧嘉·科克洛娃，创作《欧嘉的肖像》；
1918年 与欧嘉结婚，与马蒂斯举行联展；
1920年 手工彩绘珂罗版《三角帽》；
1922年 创作《海边奔跑的两个女人》；
1925—1932年 超现实主义时期
1927年 邂逅年仅17岁的玛丽·德蕾莎·沃尔持，成为毕加索的模特。并生下女儿马姬；
1929年 与雕塑家贡萨列斯一起创作雕塑和铁线结构成。作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现婚姻危机，结识达利；
1932—1945年 蜕变时期
1932年 创作《红色扶手椅中的女人》；
1933年 以雕塑家工作室为题，创作蚀版画
1934年 创作以斗牛为题的作品；
1936年 西班牙内战暴发。认识多拉。玛尔，并创作《多拉·玛尔的肖像》；
1937年 创作完成《格尔尼卡》；
1942年 创作版画《大自然的故事》
1943年 邂逅22岁的弗朗索娃·吉洛；
1944年 加入法国共产党；
1945年 开始尝试石版画创作；
1946—1973年 田园时期
1947年 儿子克洛德降生。在陶艺家哈米耶工作室制陶，至1948年共作了2000件陶艺术品；
1948年 为世界和平会议作“和平之鸽“海报和《贡戈拉的二十首诗》；
1949年 创作《卡门》系列；
1950年 获列宁和平奖章；
1953年 在玛都拉陶艺工作坊邂逅杰奎琳·洛克；
1954年 开始创作德拉克罗瓦的“阿尔及利亚女人”变奏系列；
1956年 与克罗鲁佐共同拍摄电影《神秘的毕加索》公映；
1957年 在纽约现代艺术馆举办“毕加索75岁纪念展”，创作版画《斗牛系列》；
1958年 毕加索为设在巴黎的联合国教科文总部大厦创作了壁画《伊卡洛斯的坠落》；
1959年 创作仿马奈《草地上的午餐》变奏系列；
1961年 与35岁的杰奎琳·洛克结婚，并庆祝毕加索80大寿；
1963年 绘制《画家与模特儿》；
1966年 巴黎大皇宫及小皇宫举办大型《毕加索回顾展》。创作《流沙系列》；
1968年 创作《塞莱斯蒂纳》和《可笑的男人》系列版画；
1970年 把西班牙家中保存的近2000件早期作品捐赠结巴塞罗纳毕加索美术馆：
1971年 巴黎国立现代艺术馆举办了《毕加索诞生90同年回顾展》；
1973年 92岁，4月8日逝世于坎城附近的幕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅花园里

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【曼德企服】名字究竟多重要？起底创业公司“起名术”oAE创意岭 - 安心托付、值得信赖的品牌设计、营销策划公司

在创业前期，要做的很重要的一件事就是为你的产品命名，好的名字能够更快且更低成本的打开市场，让人记住，最终成为一个强势品牌。如何科学地为自己的产品起一个好名字，这篇文章给你答案。
在创业前期，要做的很重要的一件事就是为你的产品命名，好的名字能够更快且更低成本的打开市场，让人记住，最终成为一个强势品牌。
相信每个创业者都有这样的经历，一开始总是觉得自己一定能为自己的产品想一个完美的名字，所以在整个过程中绞尽脑汁，用尽毕生所学。
但是现实大多往往是：deadline要到了，想的几百号名字都并没有达到自己预期中那完美的一个，总是觉得可能差一点什么，但是又不知道哪出了问题，最后没办法只有矮子拔高选一个硬上了。
不是所有团队都能像「知乎」那样能有内心感到无比坚定「就是它了」的那一刹那。
取名这事折磨了我们很长时间，从一开始大家就都希望找到一个完美的名字，实现这个目标的过程让人痛苦。
最开始我们都把思维集中在了问和答上，围绕这两个字，我们想出了大概100多个还算像样的名字，比如：问事儿，提问题，大声问等，其立意是，鼓励行为，如果你有问题，那就问好了。不过，这些名字都有点不痛不痒，缺少兴奋点。当然，我们也搞了一些形式主义，尝试设定一个deadline然后强行对所有的名字进行打分排序，未果。
然后就是某天。
9月13日，下午6点过，我正在三里屯找晚饭果腹，一条知乎团队啦啦队长张亮的短信跳进我的手机：「如果围绕『知之』这俩字呢？」几分钟后，他的第二条短信又跳了进来：「知乎者.com？」这个名字在我的大脑里盘旋了几小时后，我给所有人都发了一条短信，上面只有两个字「知乎」。
知乎就是这么来的。
我们团队取名字的时候，也经历了上面的所有过程，一个名字憋了好久，十分的痛苦，查阅过很多相关的资料，但是都很零散，系统性并不强。
取完名字最大的感悟就是：从商业角度看来取名这件事，一定不会有所谓完美的名字，好的名字一定是最适合自己方向的。
我写这篇文章呢，就是想把在整个取名过程中我的思考系统地整理出来，让他成为一个取名的方法参考，为取名字这件事提供更多维度的思路和评判标准。
下面我将从最上层的分析名字的本质开始一直到落地的去说怎么取名字，文章略长，内容可能会有逻辑漏洞，我会在之后慢慢补充完善。
一、名字存在的意义
「在一些人的词汇认识里，设计等同于装饰，等同于室内装潢，等同于沙发和窗帘的材质用料。但对我而言，设计完全是另一个意思。设计，是所有『人造物件』的灵魂，它通过一层又一层的外在表象，来表达这个物件存在的意义。」——Steve·Jobs
在整个过程中，我一直在思考：名字存在的意义是什么，为什么每个人要有一个名字，为什么每个事物都要有一个名字，名字是什么。从这些角度来思考，就能发现更多的可能性：
通过不同的媒介（语言、文字、图像）告知他人，让他人能够与其认知进行关联
名字的存在必须通过媒介才能告知他人，告诉他人之后他人会自动将该名字与他认知中名字背后的东西进行关联。
举个栗子：在公开场合自我介绍（通过语言）：我叫萝卜超人，是一个创业者，很高兴认识大家。于是在听的人的认知中就本能地进行联系了：萝卜超人=他的认知（形象认知：长得挺好看。语言认知：说话很干练。你告诉他的认知：创业者，有潜力有冲劲，过会问他要个微信）
所以，在之后的一段时间里他会把名字和他的认知中的东西进行了关联，并作出一些主观的判断，对这个名字代表的对象了解得越多关联的东西就越多。名字就是他脑子里所有关联认知的总和，也可以说名字是唤起脑子的认知的一个信号。
在某些特定时刻被重新唤起
在第一次对名字进行认知关联之后，这个名字不一定会一直存在于他的脑中，直到他的某些诉求被激发后，他会去寻找如何解决该诉求，如果名字关联的地方有和解决该诉求相关的地方，那么这个名字将会被重新唤起。
还是举个栗子：假如你的某个朋友是个设计师，当你需要设计一个东西的时候，你会自然而然想到有这个朋友，然后回想起他的名字，然后搜索联系到他。他的名字就在你需要设计支持的时候被重新唤起了，因为他的名字在你的认知中是包含设计这个属性的。
二、什么叫好名字
根据前面存在的意义和商业的规则来倒推就容易得多了，我总结下来就2点：
容易记忆，且能保持长时间的记忆
大多数人都有背英语单词的经历，你一定会发现，死记硬背很痛苦，但是有两种类型的单词却很容易记住
1、本身就很简单的，字母数很少，比如：you，fine，ash，这种单词只要看一次基本就能记住。所以很多品牌都是以这样的方式在命名，尽可能使用较少的字数，比如：「陌陌」「转转」「QQ」「YY」，都只用到1个单字。
2、能够与其他认知创造关联的，创造关联的方式有每个人都有很多种，比如pregnant，怀孕，你关联成「扑来个男的」，就一下记住了。或者你知道bug这个单词，de-的前缀是代表减少，那么debug这个词你就不需要背就能记住。
所以很多品牌就在名字上创造了很多关联来方便记忆，尤其是使用具象的形象，比如：「QQ」怕你连一个Q都记不住，用了企鹅做关联，现在变成你看到企鹅你的第一反应可能不是动物，而「QQ」。「去哪儿」用骆驼做关联，「携程」用海豚，很多时候你通过具体化的形象就能想起他的名字，这也是为什么很多品牌的形象要么是动物派、要么是植物派了。
除了一个基本形象，slogon、广告等宣传品很多时候的一个作用都来为这个名字创造更多方便记忆的关联。
名字的对象背后的价值明晰
单单记住了这个名字对于一个产品来说并没有什么意义。如名字存在的意义中所说到的，名字必须要在某些时候被重新唤起才会有价值。
比如：在你想买衣服或一些小东西，对买到假货或者对售后没那么敏感的时候，你可能会上「淘宝」。而你想马上买到某一个东西且对其品质很在意的时候，你可能会上「京东」，同样是电商平台，而他们唤起的诉求并不相同。
当然名字背后价值的打造只靠名字是不够的，企业做的一切营销活动其实就是为了强化其名字背后的价值和定位，但是名字如果无法传递出或者覆盖其传递的价值的时候就会出现很大的问题。
假如「京东」一开始叫「神奇百货」，这就意味他需要付出更多的营销成本来改变其他人对「神奇」的认知，让「神奇」变成靠谱、专业化的代名词，显然这基本不可能，不要试图改变其他人对已有事物的认知。
为什么前面我说是没有完美的名字的，因为完美的名字必须兼具提供的差异化价值（辨识度）和提供的功能性价值，但是事实确是所有名字都是在差异化价值和功能性价值之间做平衡。
过于强调差异化价值必然就会弱化功能性价值，反之亦然，大家先记住这句话后面我会稍微展开来说。人的认知是有限的，而名字的字数也是有限的，简单的东西往往是最复杂的，至于如何来做之间的平衡，那就需要从头思考去设计一个名字，找到这个平衡。
三、去设计一个名字
像设计一个产品一样去设计一个名字，而不是天马行空去想。整个设计流程可以分为4个步骤：
1、对用户和行业深度分析，确定品牌定位
2、功能价值和差异化价值的战争
3、量变到质变
4、重新检视
对用户和行业深度分析，确定品牌定位
知乎大V「波旬」就将产品拆成了4个层次，我认为说的很到位：
核心产品，你的产品本质是个什么
实体产品，产品本身有什么独特的卖点
拓展产品，产品延伸的服务有什么
心理产品，在用户的心理认知中你的产品是什么
心理产品就是品牌，产品满足的是需求，而品牌满足的是欲望，而名字就是品牌的文字性表述。那就意味着在想名字之前一定要清晰的了解品牌定位到底是什么。
确定品牌定位
品牌定位就是三股绳，三股绳拧在一起定位就出来了，那么是哪三股绳呢
第一股绳：行业中还有哪些消费者的欲望尚未满足
第二股绳：竞争对手是否已经满足
第三股绳：我们如何去满足
要知道的是欲望在行业中有可能是实际产品中未满足的痛点，也有可能是心理上未满足的痛点，具体要看是行业和产品。
欲望是一个场景：是消费者对你的产品期待和幻想，幻想他拥有你的产品后会怎么样。
举个例子
第一股绳：送花这个行为属于社交行为，要在花这个实体产品中去寻找痛点，解决样式、种类等问题，那么就走偏了。送花是为了拉近两个人之间的心理距离，花承载的是情感。
「野兽派」看到的是在送花过程中的乏味与过场化，于是为每一束花创造一个故事，这样你就能更好地用这束花去体现自己的品位和高社交价值（装逼）。
「Roseonly」看到的情侣之间热恋期对专注爱情的追求和承诺，于是买花必须登记双方的身份证号，告诉买花的人你想好了，如果你这辈子要送「Roseonly」你只能送给这个人。
对于「像素公寓」来说，我看到的就是合租公寓中室友关系的冷漠，回到家就把自己关到自己的房间里，像是同一个屋檐下的陌生人。但是其实每个人并不想这样，很多时候只是仅仅因为尴尬而已。
第二股绳：一定要去了解竞争对手是怎么做的，尤其是巨头如果也在你们行业的话。
第三股绳：「野兽派」是创造故事，「Roseonly」是创造仪式，无论是故事还是仪式都变成了他们产品的一个部分，是可以被做到的。
而「像素公寓」是分4步来做的，就不详细说了，简单说就是：
1、租客分类，让更合适有相同属性的人住在一起。
2、创造环境，我们在公共区域的打造上费了很多心思，让租客更愿意待在公共区域。
3、租客破冰，由我们来作为中间人介绍他们认识，打破尴尬。
4、租客APP，让租客在线上互动起来
5、线下活动，让租客真正玩起来，成为朋友。
我们希望打造的品牌是租客看到「像素公寓」联想到的场景是一屋子人在一起开心的玩游戏、看电影、做饭等社交化的生活场景，所有的事情都是围绕增加这个场景的达成的可能性来做的，而且也是是我们可以做到的。三股绳一拧，品牌定位就出来了，产品的方向也有了，离名字就近了一步。
功能性价值和差异化价值之间的战争
我想先解释一下辨识度：辨识度=差异化的价值体现，那差异化的价值体现和功能性价值体现有什么不同。
举个例子：「Enjoy」做的是高端团购，而「美团」做的是普通团购。很明显从名字看出来，「美团」就是个做团购的（功能性价值体现），明确知道他是干嘛的。而「Enjoy」你单看名字并不知道，但是传递给你一种什么感觉呢，一种略有逼格的感觉，这种感觉我认为就可以称为差异化价值体现，他相比于其他团购就有了辨识度，更多的体现了差异化的价值。
至于如何平衡其实就要具体行业具体分析了，但是基本可以总结3个规律
1、当市场知识初期（竞争对手少，受众认知不明确）的时候，你是做什么的（功能性价值体现）就比差异化价值体现重要，当市场发展到充分竞争阶段的时候，你和别人有什么不同（差异化价值体现）就比功能价值体现重要
前面的例子已经说明了，前期大家对团购的认知是稀缺的，后期团购的品质和逼格就变成稀缺的了。当什么是这个行业的稀缺性的时候，就应该在名字里面体现什么，这个稀缺性也就是前面说的三股绳打结的地方。
2、产品的使用或购买的频次越高，差异化价值体现就越重要，产品的使用或购买的频次越低，功能性价值体现就越重要
对于高频产品，差异化价值越高，用户才会更多的因为你的不同而选择你，而不会觉得所有的都一样，而变得没有忠诚度。对于低频产品，一定要让用户知道你是做什么的有什么优势就显得更重要了。
3、依赖传播型产品差异化价值体现更重要，不依赖传播依靠销售型产品功能性价值体现更重要
没有人会愿意传播一个没有逼格不能秀优越感的东西的，所以对于依赖传播型产品更需要差异化价值体现，而对于不依赖传播的传统销售型产品不那么重要了。
量变到质变
前面的问题思考清楚，还不足以获得一个名字。在以前的项目中，试过很多方法，包括众包出去，发动可以影响到的所有人的力量去为名字出谋划策。事实证明，把起名字这件事情交给不理解品牌定位的人和非专业的人基本没什么卵用。在这过程中，我发明了一个高效率但是可能会逼死小伙伴的一个方法，效率很高，也很容易开拓思路，比单纯的头脑风暴有效的多。
第一步：确定品牌定位后，召集参与取名行动所有小伙伴开会，并且确保他们对品牌定位深刻理解。这一步非常重要，是下面工作的基础。
第二步：每个人先想50个名字，限定时间1天，第二天就你们想出的几百个名字进行讨论，然后再进行思维扩散、评估和筛选。
第三步：重复第二步，直到做决策的你感觉「就是它了」，那么一个合适的名字就出来了。
在这个过程中能激发每一个人的潜能，所有小伙伴无论是吃饭还是上厕所，脑子里面会一直在不间断的思考。
当然这其实是及其痛苦的，可能会被小伙伴骂，作为老板的话唯一能做的就是多买点东西给大家补补脑。相信我，最后真的能够完成量变到质变。
重新检视
对一个名字来说要评估的维度真的太多了，在前期工作准备不充分想的不透彻的时候，评估往往也是没法下手的，极有可能因为某些硬伤推翻重来，以下是我觉得必须要检视的几个方面
注册（Register）
如果最初不去考虑的品牌未来，那么，这篇文章对于你也就没有什么价值了。但是毕竟在体制内做事，合法合规是最关键的，一个无法被注册的名字是没有任何商业价值的，没有人能够保护你，也不具备独占性，做大了也不会有品牌溢价，很可能就为别人做了嫁衣。
确认是否可以注册，一般先去查询，进商标局的查询系统就可以进行查询了，但是商标的审核也会有各种条条款款，比如有很多不能用的通用名词，也会按各行业分为几十类，每个类别的情况还有所不同，一般考虑效率和成功率会找专业的公司来处理这件事。
当然一般这样的公司都会帮你查询并且给你很多建议，可以好好利用一下，反正不要钱。最后去办理注册手续的时候还是花点钱交给他们吧，自己弄能跑死人。
搜索（SEO/ASO）
现在人的基本习惯会先搜索进行第一步了解。罗胖表示过挺后悔叫「罗辑思维」，而不是「逻辑思维」，我觉得虽然增加了用户的认知成本，但是「罗辑思维」确让他能更好地被搜索出来，哪个好哪个坏其实并不好说。
想好名字了去在用户可能的出现的搜索渠道中去进行搜索，看看会出现什么，真的，千万别再出「小米」的「双茎头」这样的笑话了。
同样搜索的时候用户会进行输入，尽量避免那些输入法要翻很多页才找得到的字。
时间周期（Lifeperiod）
有些词和用法也许当时很流行，但是很容易过气，如果你不想你的名字那么快过气的话尽量避免流行词。检视的时候看一下是不是名字会变成一个过时的东西。
传播（Spread）
没有歧义，说起来不会拗口舌头打结一定是基本原则。当然传播更多的是前面你提供的差异化价值是否值得被传播，传播的前提无非就是我告诉你我知道的东西而你不知道，知道我厉害了吧，我是来秀优越感的，仅此而已。
延展性（Ductility）
要知道名字会出现在你之后所有的VI设计、宣传品、网站上，要充分评估每个名字可能的视觉呈现会是怎么样。
当时我们叫「像素公寓」的时候在某种程度上就充分考虑到这一点，因为对于一个依靠产品设计本身而且受限于成本的行业，在设计上的差异化对于我们来说就至关重要。所以用到了「像素风格」这个设计元素，像素风格能贯彻到整个房屋的设计、APP的设计，还包括我们公司所有小伙伴的头像都是像素头像，而且与我们整体的市场人群定位、倡导的生活方式也是贴合的。
场景联想（Scene）
我不赞同让很多人一起去胡思乱想的去想名字，但是这个地方我觉得确是可以找大量用户调研。
总而言之就是要知道，你这个名字给到一个对你和你产品一无所知的人：他感受到什么情绪，他联想到了什么东西，这非常重要。
当然是越接近你要传递的越好，如果最后的调研下来和你想传递的有一定距离，也可以试试把他视觉化后再进行调研，也许传递出来的东西会完全不同。
我们开始纠结过英文是叫「pxroom」还是「pixelroom」，最后调研发现「PX」让人联想到「PX」化工项目，最后所以就放弃了「pxroom」。
说了那么多，其实在「像素公寓」做到2个月的时候我曾经想过放弃掉这个名字，总觉得有地方不够完美，有点刻意的去追求完美，其实这是创业的大忌，摇摆不定、不做决策、决策不坚定的做事方式和心态都是会为之后的创业过程带来极大隐患和问题的。
对于一个产品来说名字很重要，其实也没那么重要。
一个好名字的确是形成整体的协同效应，降低营销成本。但是这其实只是整个体系中的一环而已，名字只是与用户心智斗争的第一仗而已。接下来，要打的硬仗还有很多，包括为这个名字不断赋予背后的意义，创造更多有利于用户对我们的认知的关联等等等等，名字只是万里长征的第一步而已。
当然前面整个名字诞生的过程更有利于在前期对公司和产品整体的规划，明确方向，对于创业公司的长期发展意义非常重大，我认为任何创业公司和团队都应该深刻的去经历这一切。管中窥豹，名字作为商业行为中的一个小的不能再小的环节，在这个过程中的不断平衡和取舍其实就是商业的魅力所在，每一个创业者，痛并快乐着。
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