德国公共艺术的特点（德国公共艺术的特点有哪些）

大家好！今天让创意岭的小编来大家介绍下关于德国公共艺术的特点的问题，以下是小编对此问题的归纳整理，让我们一起来看看吧。

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本文目录:

• 1、什么是公共艺术设计它的社会意义是如何体现出来的

• 2、选择人文角度来对公共艺术进行归纳，可分为四种基本类型，详述四种类型。

• 3、全球二维公共艺术的发展趋势是什么

• 4、论艺术的民族性，世界性及相互关系

一、什么是公共艺术设计它的社会意义是如何体现出来的

具有开放、公开特质的、由公众自由参与和认同的公共性空间称为公共空间，而公共艺术所指的正是这种公共开放空间中的艺术创作与相应的环境设计。

从一定意义上说，公共艺术的开放性在于它所处空间的开放性，要求一旦公众对其提出建议和意见，公共艺术的管理机构和制作机构就能够以此对公共艺术作品加以评估和修正。公共艺术是一种特殊的社会审美，它的标准必须处于被解读与修正当中。

公共艺术是多样介质构成的艺术性景观、设施及其它公开展示的艺术形式，它有别于一般私人领域的、非公开性质的、少数人或个别团体的非公益性质的艺术形态。

公共艺术中的“公共”所针对的是生活中人和人赖以生存的大环境，包括自然生态环境和人文社会环境。从更广义的角度上，可以将人类社会理解为自然生态系统中的一个镶嵌体。

城市与农村空间的公共性差异

城市与农村空间的公共性差异十分明显。空间的公共性与私人性是相辅相成、共生共成的，没有绝对的私人空间也就不可能存在绝对的公共空间，没有开放自由的公共空间也就不能存在隐秘安全的私人空间。从这个意义上来说，只有城市具备这样的特点，农村就不具备。

首先，农村的整个空间不是很大，人与人之间也非常熟悉，再加上血缘、家族、习俗、传统等原因，个人空间的透明性较大，私密性很难受到尊重和保护，与之对应的公共空间也不是很清楚。

但在城市里，由于人口众多，空间巨大，从平矮的平房到耸立参天的大厦，尽管人们可能在一定区域内工作，但是人们之间的分工越来越细，以及不同的文化、教育、兴趣、职业等差异，阻碍了人们之间的了解，相互之间的交往也越来越少。

可以说“在很大程度上，人们生活在相对陌生的人们中，这种状况很好地保护了私密性。加上城市居住的格局是一个个小单元住房，与农村有很大不同。

这样个人空间得到了更多的保护。但是人们有交往的愿望，有交往的需求，当这种私人空间严格地建立起来之后，他们就要寻找一个其他的场合去交往，这就有了相对公共空间的要求。”

二、选择人文角度来对公共艺术进行归纳，可分为四种基本类型，详述四种类型。

实用性

装点性

自然景观

人文背景

三、全球二维公共艺术的发展趋势是什么

全球公共艺术设计前沿

学分2.0

总学时32h

王鹤 ，天津大学

已学人数：0

章节视频

绪论 -序章2天

0.1 全球公共艺术简介

第一章-信手拈来——现成品公共艺术设计创新12天

1.1 追本溯源——现成品公共艺术的历史渊源

1.2 百舸争流——现成品公共艺术的发展

1.2.1 自修——现成品公共艺术造型逻辑日益完善

1.2.2 外联——现成品公共艺术与环境关系日益紧密

1.3 爆发还是沉默？——现成品公共艺术的发展趋势

1.3.1 向过去道别——再没有艺术家以现成品为主要造型手段

1.3.2 可待成追忆——现成品公共艺术更多以怀旧为主要功能

1.3.3 瞬间成永远——现成品公共艺术的临时性特征越来越明显

1.4 中国式的诘问？——张江艺术花园“∧”

第二章-影像的幻术——二维公共艺术设计创新12天

2.1 我从画中来——二维公共艺术的历史渊源

2.2 渐入佳境——二维公共艺术的发展

2.2.1 不空中空——剪影正负形

2.2.2 有板有眼——插接与折叠

2.2.3 推拉工具——厚度拉伸

2.3 不甘命运摆布——二维公共艺术建设趋势总结

2.3.1 坚守——传统基础上不断改良

2.3.2 抗争——逐渐探索跨界新形式

2.3.3 新生——在巨型公共艺术中重新找到自我

2.4 为我所用——中国成都太古里的二维公共艺术

第三章-怀旧情怀与前瞻未来——像素化公共艺术设计创新9天

3.1 并不简单的小点——像素化艺术的历史渊源

3.2 在怀旧认同中畅想未来——像素化公共艺术建设趋势总结

3.2.1 胸怀——像素化公共艺术具有开放的框架

3.2.2 禀赋——像素化公共艺术能够兼顾怀旧与前瞻

3.2.3 成就——像素化公共艺术善于融入建筑环境

3.3 艰难求索——中国像素化公共艺术“像素立方体”

第四章-星河光转——能动公共艺术设计创新12天

4.1 永不停歇的梦想——能动艺术的历史渊源

4.2 站在巨人的肩膀——能动公共艺术的发展

4.2.1 考尔德的奠基——能动公共艺术的艺术化阶段

4.2.2 乔治•里奇的建构——能动公共艺术的工业化阶段

4.2.3 纷纷试水——能动公共艺术的科技化阶段

4.3 泛化、转化和引申——能动公共艺术建设趋势总结

4.3.1 能动概念日渐泛化

4.3.2 能动主力逐渐转化

4.3.3 能动概念逐渐引申

4.4 与世界肩并肩——中国能动公共艺术《凤凰》

第五章-镜中世界——反射型公共艺术设计创新12天

5.1 曲“镜”通幽——反射型公共艺术的历史渊源

5.1.1 匠人精神——日本反射型公共艺术的早期探索

5.1.2 深厚积淀——欧洲反射型公共艺术的早期探索

5.1.3 锐意进取——美国反射型公共艺术的早期探索

5.2 古老东方的思辨——反射型公共艺术的发展

5.3 对碎片化世界的回应——反射型公共艺术建设趋势

5.3.1 内敛——反射型公共艺术尺度可能渐趋缩小

5.3.2 务实——反射型公共艺术临时性和实用性逐渐增强

5.3.3 发散——反射型公共艺术材料日渐多样

5.4 引领时尚——中国反射型公共艺术上海新天地广场境面反射装置

第六章-顺时而动——生态公共艺术设计创新15天

6.1 赤子之心——生态公共艺术的早期探索

6.2 枝繁叶茂——生态公共艺术的发展

6.2.1 以刚克刚——力求以科技解决问题的生态公共艺术

6.2.2 以柔克刚——运用原生态材料的生态环境公共艺术

6.2.3 倔强的牛虻——警示公众注意的生态环境公共艺术

6.3 未有穷期——生态环境公共艺术建设趋势

6.3.1 短暂——临时性作品数量增加，回收材料日渐占据主流

6.3.2 坚强——永久性作品重视坚固材料，注意提高维护性

6.3.3 成长——警示型和科技型生态公共艺术分化日益明显

6.4 为时不晚——中国生态环境公共艺术“cola-bow”

第七章-为了明天——植物仿生公共艺术设计创新12天

7.1 千树万树——植物仿生公共艺术的渊源

7.2 步入正轨——植物仿生公共艺术的发展

7.2.1 跨过卢比肯河——2000-2010年的植物仿生公共艺术

7.2.2 起承转合——2010年前后植物仿生公共艺术的进展

7.3 润物细无声——植物仿生型公共艺术建设趋势

7.3.1 轻——基础材料逐渐重视轻质量、高强度与可回收性

7.3.2 真——形态上越发逼真，进一步融入都市环境

7.3.3 活——发挥自身优势，更多采用互动技术以实现社会效应

7.3.4 强——功能越发强化且实用，推广普及门槛降低

7.3.5 净——夜间照明逐渐基于清洁能源

7.3.6 辨——技术哲学层面还需深入思考

7.4 来日方长——中国植物仿生公共艺术成都太古里部分作品

第八章-数字原住民的精神图腾——声光互动公共艺术设计创新14天

8.1 殊途同归——声光互动公共艺术的渊源

8.1.1 有光为证——声光公共艺术的早期发展

8.1.2 声光互动公共艺术的源头之二——互动公共艺术的早期发展

8.2 飞向无垠——2010年以后声光互动公共艺术的最新发展

8.2.1 移步换形——与人的位置互动

8.2.2 举手投足——与人的动作互动

8.2.3 心随声动——与人的其他互动途径

8.3 给未来的自己——声光互动公共艺术建设趋势

8.3.1 更多元的未来——互动媒介结合程度日益紧密

8.3.2 更发达的未来——互动手段科技含量日益提高

8.3.3 更壮观的未来——互动作品规模日渐大型化

8.3.4 更耐人寻味的未来——互动的艺术效果还有待观察

8.4 弯道超车——中国声光互动公共艺术《声波》

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课程简介

1. 对比教学：公共艺术范围广泛，因此重点通过与雕塑、设施、建筑、景观等相关艺术门类对比，帮助学习者深化对公共艺术概念的认知。

2. 案例教学：公共艺术是一门动态中的实践艺术，通过大量最新案例的深度细致解读，帮助学习者了解世界各国近年来在此领域不断探索的最新成果。

3. 实践教学：公共艺术创作方法简单易学，课程通过轻松诙谐的现成品运用等途径，鼓励学习者大胆尝试创意设计，表达自己的主张，了解设计流程。

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教学大纲

绪论 序章

绪论

全球公共艺术简介

公共艺术是动态的存在，进入2010年后在移动互联、新材料、基于文化创意转型的城市再生等大背景下，像素化、植物仿生等新兴公共艺术形式异军突起，发展日新月异。如何帮助同学们把握公共艺术这一影响深远的变化,并以此为窗口了解世界前沿艺术、科技、社会思潮，正是《全球公共艺术设计前沿》这门课程开设的初衷。

第一章 信手拈来——现成品公共艺术设计创新

现成品的使用是当代公共艺术与传统雕塑区别最显著的设计方法之一。将寻常可见的工业现成品放大尺度，使其在公共空间中具有了新的意义。奥登伯格等艺术家创作了《晾衣夹》等众多经典作品。2010年以后，围绕现成品公共艺术的形式探索与创新仍在继续，呈现出诸多新颖的发展趋势。

追本溯源——现成品公共艺术的历史渊源

从20世纪60年代起，以奥登伯格为代表的美国波普艺术家在公共空间中将复制现成品的公共艺术创作方法发扬光大，在很大程度上为这一领域原则、规律的产生奠定了基础。

百舸争流——现成品公共艺术的发展

20世纪60年代末，美国的“百分比计划”开始大规模实行，以考尔德为肇始，众多美国艺术家的作品从美术馆内走向广阔的户外空间，走向美国联邦资金建设的诸多海外使领馆。奥登博格很快抓住了这一机遇，他的现成品公共艺术实践延续了此后的三十余年，其中的形态演进规律虽不是非常明显，因为这些作品的形态往往受到甲方的要求或所在环境的制约。

爆发还是沉默？——现成品公共艺术的发展趋势

奥登伯格之后的现成品公共艺术的发展去向并不明朗，但有这样的几点趋向已经非常明显。

中国式的诘问？——张江艺术花园“∧”

公共艺术概念进入中国已经很久了，相关实践也一直在推进当中。上海张江艺术花园中的“∧”就是典型案例，作者以典型的波普主义手法，塑造了一个大型的易拉罐，打开的易拉罐用吸管支撑在地面上，保持着倾斜状态。作者在这里也希望表现快餐对儿童的不利影响这一社会问题。同时在易拉罐后部安排了梯子，儿童可以攀爬，并从吸管中滑下来 ，以起到滑梯的作用。

第二章 影像的幻术——二维公共艺术设计创新

二维公共艺术是利用绘画、剪影、厚度拉伸等方式，赋予二维图像以三维体积的公共艺术设计方式。这种方式不同于传统形式的浮雕，它糅合了绘画、视觉传达等领域的成果，是世界范围内公共艺术设计方法的重要类型。二维公共艺术免去了复杂的三维体积塑造过程，为众多画家、摄影师、平面设计师提供了进入公共艺术领域的渠道，进一步彰显了公共艺术的跨学科与开放特征。同时这种艺术形式普遍具有视觉效果突出、鲜明，节省占地等优点，但同时也带来必须限制观赏角度的局限。

我从画中来——二维公共艺术的历史渊源

在二维公共艺术的发展中，印第安纳和哈林做出了巨大的贡献，说他们奠定了二维公共艺术的基础毫不为过。

渐入佳境——二维公共艺术的发展

进入20世纪80年代后，二维公共艺术在公共艺术中的应用得到越来越多画家、风景园林设计师等领域人士的认可。在这一阶段，剪影正负形的基本准则已经确立，并开始探索与一系列功能之间的关系，在如何更好适应环境上也有了新的突破。二维公共艺术也变得更具包容性，其主要类型包括了剪影正负形、插接与折叠以及厚度拉伸。

不甘命运摆布——二维公共艺术建设趋势总结

从二维公共艺术的发展历程以及近年来的实践可以判断，二维公共艺术的设计创新体现出三个显著趋势，分别是尺幅巨大化、形式综合化和应用受局限。

为我所用——中国成都太古里的二维公共艺术

成都太古里的公共艺术运用常见的、简单的艺术形式，表达了深刻并具有普遍性的主题意义，呼应所在地区主要人群特点，理解起来无障碍。又适应所在环境形态特征与功能属性，与交通流线穿插，又具有国际化特征，总体效果十分成功。

第三章 怀旧情怀与前瞻未来——像素化公共艺术设计创新

像素，英文对应为Pixel。从定义上看，像素是基本原色素及其灰度的基本编码。作为构成数码影像的基本单元，我们通常以像素平方英寸（Pixels per inch,简称PPI）来表示影像分辨率的大小，也就是衡量图像质量和清晰度的关键标准之一。像素点用矩阵排列或拼合成图像，这种图像也称位图，与后来的用数字公式表示的矢量图有根本不同。

并不简单的小点——像素化艺术的历史渊源

虽然像素化艺术使用的是当今的形式元素。但这种用大量类似特性元素通过组合，以形成一定距离上的整体视觉观感的方法却并非历史上的首创。1884年年轻艺术家乔治•修拉第一幅正式作品《阿斯尼埃尔的沐浴》，唯一的不同，在于画家创造这一视觉效果的方式。所有的这一切都是用一个个小纯色点组成的，而非在画板上调和好后再画到画布上。

在怀旧认同中畅想未来——像素化公共艺术建设趋势总结

发展到今天，像素化与其说是一种艺术形式，不如说是一种文化现象，遍及平面设计等各个领域。这一文化现象的繁荣有其大背景，即数字化和人的固有怀旧心理，它既属于当下，又属于未来。因此，像素化公共艺术的应用前景日益广阔，主要有三点原因。

艰难求索——中国像素化公共艺术“像素立方体”

像素化公共艺术在世界范围内都兴起不久，因此在国内的应用案例还不多。在完全意义上的公共艺术领域，目前国内比较有代表性的案例来自我国台湾省一个名为“像素立方体”（Voxel scape）的实践。

第四章 星河光转——能动公共艺术设计创新

为艺术作品赋予动感是艺术家一项古老的希冀。发展到今天，能动已经是当代公共艺术区别于传统雕塑最显著的特征之一。进入21世纪后，在公共艺术技术含量提高的大背景下，能动公共艺术逐渐出现概念泛化和主力转向的趋势，带有能动叶片的部分作品逐渐归入生态公共艺术中，电动、程控成为能动公共艺术的的主流，其2017年以后的发展趋势值得拭目以待。

永不停歇的梦想——能动艺术的历史渊源

首先需要看到，今天的能动公共艺术概念不是凭空出现的，而是有着深厚的历史渊源。因为使三维艺术具有动感是从古至今一代代艺术家的梦想，我们从未来主义的《在空间里连续性的独特形式》以及构成主义的《第三国际纪念碑》三件作品的形态演进可以清晰看出这一点。

站在巨人的肩膀——能动公共艺术的发展

首先需要看到，今天的能动公共艺术概念不是凭空出现的，而是有着深厚的历史渊源。因为使三维艺术具有动感是从古至今一代代艺术家的梦想，我们从希腊化时期的《萨摩色雷斯胜利女神》、未来主义的在空间里连续性的独特形式》以及构成主义的《第三国际纪念碑》三件作品的形态演进可以清晰看出这一点。

泛化、转化和引申——能动公共艺术建设趋势总结

在2010年以后的世界经济、文化发展大背景下，能动公共艺术受限体现出与其他设计创新类型公共艺术同样的演变趋势，即受到科技发展越来越深的影响和介入，技术上渐趋复杂，技术含量日益增加。

与世界肩并肩——中国能动公共艺术《凤凰》

2014年天津经济技术开发区（TEDA）建区三十周年之际，需要完成新的纪念碑。新纪念碑选址北海路和第二大街交口，均位于交通环岛之上，这对纪念碑的尺度、形态都提出了特殊的要求，法国艺术家梅泰的方案有其鲜明的特性，首先是出色的整体视觉效果，梅泰仔细考察了天津的自然环境，从海藻等海生植物上汲取了灵感，在造型上突出了开发区蓬勃向上的积极面貌，与世界能动公共艺术的发展水平站在同一起跑线。

第五章 镜中世界——反射型公共艺术设计创新

借助发达的材料冶炼与加工工艺，立体造型艺术的材料就具有了反射周边事物的神奇能力。特别是不锈钢抛光后闪亮无比，大大增加其可观性。不锈钢的强反光性恰当运用会产生镜面效果。进入21世纪以来，这一艺术形式在尺度上、材料上、与环境和人的关系上都出现了几近天翻地覆的变化，表现形式日益多样化，成为21世纪第二个十年以来最值得关注的公共艺术形式之一。

曲“镜”通幽——反射型公共艺术的历史渊源

从20世纪70年代以来，在世界范围内兴起了一股依赖高度抛光的不锈钢和其他金属工艺实现与环境紧密联系的公共艺术中创作浪潮，日本、欧洲和美国分别进行了不同程度和角度的探索，成为我们今天追溯反射型公共艺术的主要源头。

古老东方的思辨——反射型公共艺术的发展

作为与《云门》齐名的公共艺术，卡普尔的另一代表作《天镜》2001年4月27日方才落成，共耗资90万英镑，他根据剧场外的环境空间尺度，将尺寸定为6米直径，自重10吨，全部以高度抛光的不锈钢制成。一侧凹面，一侧凸面，实时反射着周边环境，这在当时是创新之举。在《天镜》中，卡普尔将印度的哲学思想与现代工业技术相结合，在现代城市环境中大放异彩，说明艺术作品的人文属性依然占有不可取代的地位。

对碎片化世界的回应——反射型公共艺术建设趋势

通过对反射公共艺术发展脉络的梳理，以及对近年来最新案例的分析，可以发现其在未来的发展明显具有三点趋势。

引领时尚——中国反射型公共艺术上海新天地广场境面反射装置

近年来最接近世界反射型公共艺术发展趋势的国内作品是2014年，由荷兰建筑事物所UN Studio在上海新天地商场门前完成的“镜廊”。“镜廊”在形式上融合了建筑、雕塑、景观等，既有空间可供体验，又有视觉图像可供欣赏，打破原有艺术形式局限。“镜廊”比较注重与人和环境的交流融合，形式运用得当，充分地反映了国际范围内反射公共艺术逐渐向着临时性、小型化和实用性发展的趋势。

第六章 顺时而动——生态公共艺术设计创新

自从公共艺术作为一种可辨识的艺术形态诞生以来，对环境的关注以及对生态性的追求就成为其最鲜明的特征之一。众多艺术家针对生态观念和低碳材料在公共艺术创作中的运用展开了一系列探索。这些探索类型广泛，规模不一，但总体特征是重视运用具有天然属性的材料，更强调对自然的被动适应而非主动改变。从20世纪70年代起，欧洲、美国、日本等地的艺术家就从不同角度探索了生态公共艺术的建设。

赤子之心——生态公共艺术的早期探索

在漫长的历史中，生态环境问题并不是人类艺术创作的主要题材之一。自从工业革命以来，伴随经济发展而来的环境问题才引起人们重视。现在所强调的环境问题，主要指生产、生活所造成的污染和对资源的滥用。环境问题不但破坏自然的生态平衡，而且影响到社会的发展，甚至威胁到人类的生存。因此，要求制作过程无污染，不浪费资源，即循环利用，与自然发展相结合的生态设计理念开始出现在生产、生活的各个领域。从这时起，公共艺术设计才开始广泛重视到这一问题。

枝繁叶茂——生态公共艺术的发展

近年来，随着社会、科技、经济的发展，在20世纪后期行之有效的生态公共艺术创作方式开始显露弊端，作品状态和所选基础材料的非永久性，制约了传统生态公共艺术在人流密集的城市环境中推广的可能性，进而将这些作品与所在地的经济、社会发展割裂开来。因此，世界范围内公共艺术由于新技术的介入和新观念的成熟，分化出了三条主要的发展路径：分别是单纯关注技术、注重原生态材料与警示公众注意。

未有穷期——生态环境公共艺术建设趋势

从最新生态公共艺术建设显露的趋势可以看出，基于此，具体的建设趋势可以归纳三点。

为时不晚——中国生态环境公共艺术“cola-bow”

塑料是当今社会应用最广泛的石化制品，在极大程度上方便了现代人的生活，但却是一种很难自然降解的材料。2013年，由槃达建筑事务所（penda）设计的公共艺术非永久性装置“cola-bow”落成于北京大学生设计展门外。这件作品由大量可口可乐瓶组成。设计方希望唤起公众对塑料污染的重视，鼓励市民将回收塑料瓶作为日常习惯的环保行为来加以推广。探索城市雕塑、公共艺术建设与管理的绿色发展是一个影响中国未来几十年社会、经济、文化全面发展的关键环节。

第七章 为了明天——植物仿生公共艺术设计创新

近年来，欧美公共艺术领域出现了一个引人注目的新趋势，一种尽可能模仿植物外观和组织结构，体现生态、低碳特征的公共艺术大行其道。从早期的《信号灯树》为人们熟知，逐渐成为各路艺术家创作的热门，到2010年英国墨西河畔的《未来之花》成为成熟标志，相关案例在2010年后快速增加，成为一种值得引起高度关注的文化现象。

千树万树——植物仿生公共艺术的渊源

1998年由法国艺术家皮埃尔·维维安（Pierre Vivant）在伦敦完成的《信号灯树》（The Traffic Light Tree）应当是利用植物造型表达生态主题的仿生型公共艺术较早的实践案例。作者创作《信号灯树》的初衷是代替原处一棵因污染死去的法国泡桐，可以说具有很强切的环境保护意味。完工后的作品其基本形态都与旁边的树木十分相近，视觉效果统一，同时带有人工特征的信号灯又能与都市的摩天大楼融合到一起。

步入正轨——植物仿生公共艺术的发展

虽然在公共艺术领域借鉴植物仿生学的成果相对比较晚，但发展较快，仅仅十余年间，对植物的模仿就从单纯的形态仿生向复杂的非形态仿生发展，由早期《信号灯树》对植物外在形态的借鉴，深入到对植物系统的能量转化与环境适应特性的模仿，开始融入太阳能和风力发电的创想。

润物细无声——植物仿生型公共艺术建设趋势

2010年前后，植物仿生型公共艺术与临时功能性建筑的成功结合反映出复合碳纤维等材料工艺的进步和复兴城市社区的特殊需求，在未来势必有更大的发展空间，也必将成为生态公共艺术的主流之一。《太阳花》等新一代植物仿生公共艺术能够实现将太阳能采集的电能除自用外输入电网，就是依赖智能电网技术的突破。同样，大多数植物仿生型公共艺术在夜景照明中能够实现低能耗，也离不开LED光源的普及。新一代技术的成熟与廉价，加之设计思想日益成熟，无论是基础设施供应商还是艺术家个人，都能比较恰当地处理植物形态、功能、工艺之间的平衡，使作品有更大的几率付诸实施。

通过对具有典型性和代表性的案例重点分析，根据对植物仿生型公共艺术发展历史的梳理，结合当前社会、经济、技术、思潮发展的宏观趋势，可以为植物仿生型公共艺术的发展总结出六点趋势。

来日方长——中国植物仿生公共艺术成都太古里部分作品

由于植物仿生型公共艺术在欧美国家成熟相对较晚，因此中国在这一领域的成果也远不如其他环境类型或设计创新类型的作品。近年来比较有代表性的，还要数成都太古里项目中的《自然》和《大花》等作品。总体而言，植物仿生型公共艺术的推广对整个社会的科技水平与基础设施的智能化程度都提出了较高要求。

第八章 数字原住民的精神图腾——声光互动公共艺术设计创新

声光互动公共艺术是世界公共艺术大家族中最新的成员，特指以声、光为主要手段与公众展开互动的新型公共艺术。当代声光互动公共艺术融合了传统雕塑、照明、设施等多方面要素，体现着当代社会科技重要性日益提高以及对人越来越重视的大背景，重点对应在数字化时代成长起来，并有很强自我意识的千禧一代。其具有较为清晰的源头，分别是声光公共艺术与互动公共艺术。

殊途同归——声光互动公共艺术的渊源

如果我们仔细梳理声光互动公共艺术的发展脉络，会发现它是由声光公共艺术和互动公共艺术在不同背景下分别发展起来，并在特定时期逐渐合并的结果。

飞向无垠——2010年以后声光互动公共艺术的最新发展

进入21世纪第二个十年后，随着科技的进步与观念的更新，声光与互动两大类公共艺术逐渐呈现合流之势，越来越多的艺术家走出传统上利用物质塑造形体的表现方法，转而依赖声、光等媒介与观众互动，提升作品的感召力，获得了巨大成功。

给未来的自己——声光互动公共艺术建设趋势

通过声光互动公共艺术的诞生、发展与近年来的演变可以归纳出其在今后一段时期四点显著的建设趋势。

弯道超车——中国声光互动公共艺术《声波》

声光互动公共艺术的出现既依赖于技术的进步，也与公众对公共艺术创意思维的接受度有关，还取决于维护和保障的力度。《声波》由Penda建筑完成，位于襄阳中华紫薇园入口，是目前中国大陆将省广互动功能较好融合后打造的新形态公共艺术之一。

收起

考核标准

课程总分100分

平时成绩 18.0分

章节测试成绩 12.0分

见面课成绩 40分

期末成绩 30分

论坛成绩 0分

四、论艺术的民族性，世界性及相互关系

艺术的民族性是指“运用本民族的独特的艺术形式、艺术手法来反映现实生活，使文艺作品有民族气派和民族风格。”①具有民族性特点的艺术作品立足于本民族的文化艺术传统及审美意识，采用传统艺术形式创作，主要表现本民族人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术审美情趣。

艺术的世界性主张摆脱桎梏、解放思想、抛弃民族文化传统，是一种超阶级的势力扩充。②就艺术而言，是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。

关于艺术民族性与世界性的关系有以下两种观点，其一认为艺术的世界性超越民族性：由于时代的前进，文化艺术同经济一样会在相互借鉴的基础上趋于统一，形成具有同一特点的超越民族性的世界性艺术潮流，这种具有世界意义的国际化艺术将成为今后世界艺术发展的主流；其二认为艺术的世界性同样具有民族性。持这种观点的人认为：随着艺术的发展，以及人们对艺术民族性认识的深入，只有在积极吸收外来文化的基础上，不断发展民族艺术，才能使艺术作品具有真正的民族性。

毛泽东同志曾指出“近代文化，外国比我们高，要承认这一点。艺术是不是这样呢？中国在某一点上有独特之处，在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……象西太后反对‘洋鬼子’是错误的。要向外国学习，学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处，会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合，而不是套用外国的东西。……外国有用的东西，都要学到，用来改进和发展中国的东西，创造中国独特的新东西。”③

应当看到西方文化对经济落后的民族有着不可抵御的吸引力。正确认识艺术的民族性与世界性的辩证关系，对于处在世界各民族联系愈来愈紧密的今天尤其具有现实意义。

笔者以为艺术的民族性与世界性既不能等同，也不能截然分开。二者是互相联系又互相区别的一对矛盾的两个方面。

首先，保持艺术的民族性不能夜郎自大；不能因为本民族艺术曾滋养过他民族文化而藐视他民族文化。

正如当我们看到一个乞丐大言不惭地向人们诉说其祖其父曾经是如何如何的高官巨富时，相信任何人都不会同情他，甚至有人会骂他是败家子。先贤的荣耀是我们民族的光辉历史，它应成为我们今天发奋图强的动力，而决不是我们招摇撞骗的旗帜或涂脂抹粉的面霜。当我们夸耀中国画的写意境界如何之高：气运生动、骨法用笔等等，而贬斥西画虽工亦匠，不入画品时，在某种意义上也在承认中国水墨画粗枝大叶，西画精雕细刻。二者相辅相成。有阳光照射就会有阴影存在，这是人们早已深悉的道理。中国水墨画追求无暗面的画面效果，实则是在表达一种理想的追求、美好的向往，向往着这个世界没有黑暗、没有阴影，希冀我们的主人前途明媚、无上荣光。世界上能找到没有明暗对比的事物吗？孔雀开屏时，难免会将它难看的屁股展现无疑。万事万物无不如此。艺术应该保持本民族的独特个性。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。很难想象有一天各民族艺术失去本民族的艺术特色，全人类仅拥有一种艺术样式、艺术风格、艺术语言甚至表现内容时会怎样。这一天不仅难以想象而且根本不可能存在。即使到了共产主义社会，艺术的民族性也会象自然界中的花花草草千姿百媚一样，呈现出一派缤纷的景象。如果存在一种世界性的艺术样式、艺术风格、艺术语言，那么这不仅标志着艺术的消亡，也是人类社会的悲哀。花红柳绿相辅相成，世界艺术的繁荣也要求必须保持各民族艺术的个性。

斯大林同志曾把“表现于共同文化上的共同心理素质的稳定共同体”作为民族特点的一个必不可少的标准。那么，是否存在艺术民族性的标准？或者说，什么样的作品才称得上是具有民族性的作品？这不是一下子能够回答的。艺术的民族性本身也不是一种样式，而是百花齐放的。这“花”来自艺术家各自对传统的选择，来自个人的生活体验、人生体验、情感体验，甚至来自艺术家对民族艺术因素独特的吸收、借鉴。正是这些相异性使艺术的民族性本身也是多样的。艺术的民族性相对于艺术家个人创作而言又是一个共性的概念。艺术家的“个性”是它的基础。没有艺术家的创作个性也就没有民族艺术。所以，倡导艺术民族性时必须同时提倡艺术家的创作个性。

其次，保持民族性不能无视他民族艺术精华，吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。

艺术世界性不等于美国化，也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本，而且随着各民族艺术的发展，艺术的世界性同样处于发展之中，不是一成不变的。

中西融合不是将一瓶红墨水、一瓶黑墨水倾注在一起的黑红不分、非此非彼、非驴非马。就艺术而言，这不仅不必要，而且不可能。中西融合之“融合”是为了吸收他民族文化艺术之营养，正如人吃猪肉、羊肉，不是为了使自己变成猪、羊一样，这种吸收、借鉴，绝不是外表的摹仿、复制、克隆，而是为我所用，用以滋养我们的身心、我们的艺术，强我们的身、健我们的体，发展我们的民族艺术。

“如同我们对于食物一样，必须经过自己的口腔咀嚼和胃肠运动，……然后排泄其糟粕，吸收其精华”。④众所周知，西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华，但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华，必须具有明确目的，即为了促进本民族艺术的发展。

在今天这样一个被称为“地球村”的信息时代，若要求一民族艺术洁身自好、守身如玉不受他民族艺术丝毫影响，象牛郎、织女隔河相望而又互不倾慕，实在太难；如果要求艺术家在艺术荟萃的大花园中只采摘本民族艺术之花而对他民族艺术的奇花异草毫不动心，也实在难为我们的艺术家。“物以稀为贵”那种他民族拥有而本民族缺乏的事物，常常具有极大的诱惑力。正如人们常常不满足粗茶淡饭而追求饱眼福、饱口福一样，吃腻了大鱼大肉的贵族会对布衣之食垂涎。在不断的喜新厌旧和怀古中人类创造了今天的文明、今天的艺术；人类也会在新一轮喜新厌旧和怀古中创造出明天的新生活和新艺术。

只要各民族间的交往存在，艺术的交流就不可避免地会存在。艺术的民族性只有在与他民族的交往中，在世界艺术的舞台上展现自己的美丽并不断改变自己的舞姿，才真正具有魅力。对待西方艺术、西方文明既不必咬牙切齿，也不必趋之若骛。西方各种艺术既不是洪水猛兽，也不是济世良药。

我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术，这不仅不可能，而且无意义。我们也不必抱残守缺、孤芳自赏，我们应不断吸收他民族艺术的精华，以完善和发展本民族固有之艺术。同样我们也应看到，有些民族艺术、民间艺术并不具有世界性。我们的民族与世界其它民族一起构成一个大部队。我们不必裹着小脚、拖着长辫在世界文化的行列中行走。任何民族都不必亦步亦趋地跟在他民族艺术后面接轨。出污泥而不染的荷花并不拒绝污泥提供给它的养料。只有站在本民族及他民族前辈两个肩膀上，才能成为当代艺术的巨人。无论是艺术家还是艺术欣赏者，不仅要对本民族的艺术传统进行选择，对他民族的艺术也必须用我们的量规加以规范、选择。我们应提倡创造性地继承吸收，避免奴隶般地因袭。

在世界艺术的大舞台上，民族性才有意义，离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩，艺术的世界性也不复存在。

艺术的民族性是指“运用本民族的独特的艺术形式、艺术手法来反映现实生活，使文艺作品有民族气派和民族风格。”①具有民族性特点的艺术作品立足于本民族的文化艺术传统及审美意识，采用传统艺术形式创作，主要表现本民族人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术审美情趣。

艺术的世界性主张摆脱桎梏、解放思想、抛弃民族文化传统，是一种超阶级的势力扩充。②就艺术而言，是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。

关于艺术民族性与世界性的关系有以下两种观点，其一认为艺术的世界性超越民族性：由于时代的前进，文化艺术同经济一样会在相互借鉴的基础上趋于统一，形成具有同一特点的超越民族性的世界性艺术潮流，这种具有世界意义的国际化艺术将成为今后世界艺术发展的主流；其二认为艺术的世界性同样具有民族性。持这种观点的人认为：随着艺术的发展，以及人们对艺术民族性认识的深入，只有在积极吸收外来文化的基础上，不断发展民族艺术，才能使艺术作品具有真正的民族性。

毛泽东同志曾指出“近代文化，外国比我们高，要承认这一点。艺术是不是这样呢？中国在某一点上有独特之处，在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……象西太后反对‘洋鬼子’是错误的。要向外国学习，学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处，会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合，而不是套用外国的东西。……外国有用的东西，都要学到，用来改进和发展中国的东西，创造中国独特的新东西。”③

应当看到西方文化对经济落后的民族有着不可抵御的吸引力。正确认识艺术的民族性与世界性的辩证关系，对于处在世界各民族联系愈来愈紧密的今天尤其具有现实意义。

笔者以为艺术的民族性与世界性既不能等同，也不能截然分开。二者是互相联系又互相区别的一对矛盾的两个方面。

首先，保持艺术的民族性不能夜郎自大；不能因为本民族艺术曾滋养过他民族文化而藐视他民族文化。

正如当我们看到一个乞丐大言不惭地向人们诉说其祖其父曾经是如何如何的高官巨富时，相信任何人都不会同情他，甚至有人会骂他是败家子。先贤的荣耀是我们民族的光辉历史，它应成为我们今天发奋图强的动力，而决不是我们招摇撞骗的旗帜或涂脂抹粉的面霜。当我们夸耀中国画的写意境界如何之高：气运生动、骨法用笔等等，而贬斥西画虽工亦匠，不入画品时，在某种意义上也在承认中国水墨画粗枝大叶，西画精雕细刻。二者相辅相成。有阳光照射就会有阴影存在，这是人们早已深悉的道理。中国水墨画追求无暗面的画面效果，实则是在表达一种理想的追求、美好的向往，向往着这个世界没有黑暗、没有阴影，希冀我们的主人前途明媚、无上荣光。世界上能找到没有明暗对比的事物吗？孔雀开屏时，难免会将它难看的屁股展现无疑。万事万物无不如此。艺术应该保持本民族的独特个性。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。很难想象有一天各民族艺术失去本民族的艺术特色，全人类仅拥有一种艺术样式、艺术风格、艺术语言甚至表现内容时会怎样。这一天不仅难以想象而且根本不可能存在。即使到了共产主义社会，艺术的民族性也会象自然界中的花花草草千姿百媚一样，呈现出一派缤纷的景象。如果存在一种世界性的艺术样式、艺术风格、艺术语言，那么这不仅标志着艺术的消亡，也是人类社会的悲哀。花红柳绿相辅相成，世界艺术的繁荣也要求必须保持各民族艺术的个性。

斯大林同志曾把“表现于共同文化上的共同心理素质的稳定共同体”作为民族特点的一个必不可少的标准。那么，是否存在艺术民族性的标准？或者说，什么样的作品才称得上是具有民族性的作品？这不是一下子能够回答的。艺术的民族性本身也不是一种样式，而是百花齐放的。这“花”来自艺术家各自对传统的选择，来自个人的生活体验、人生体验、情感体验，甚至来自艺术家对民族艺术因素独特的吸收、借鉴。正是这些相异性使艺术的民族性本身也是多样的。艺术的民族性相对于艺术家个人创作而言又是一个共性的概念。艺术家的“个性”是它的基础。没有艺术家的创作个性也就没有民族艺术。所以，倡导艺术民族性时必须同时提倡艺术家的创作个性。

其次，保持民族性不能无视他民族艺术精华，吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。

艺术世界性不等于美国化，也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本，而且随着各民族艺术的发展，艺术的世界性同样处于发展之中，不是一成不变的。

中西融合不是将一瓶红墨水、一瓶黑墨水倾注在一起的黑红不分、非此非彼、非驴非马。就艺术而言，这不仅不必要，而且不可能。中西融合之“融合”是为了吸收他民族文化艺术之营养，正如人吃猪肉、羊肉，不是为了使自己变成猪、羊一样，这种吸收、借鉴，绝不是外表的摹仿、复制、克隆，而是为我所用，用以滋养我们的身心、我们的艺术，强我们的身、健我们的体，发展我们的民族艺术。

“如同我们对于食物一样，必须经过自己的口腔咀嚼和胃肠运动，……然后排泄其糟粕，吸收其精华”。④众所周知，西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华，但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华，必须具有明确目的，即为了促进本民族艺术的发展。

在今天这样一个被称为“地球村”的信息时代，若要求一民族艺术洁身自好、守身如玉不受他民族艺术丝毫影响，象牛郎、织女隔河相望而又互不倾慕，实在太难；如果要求艺术家在艺术荟萃的大花园中只采摘本民族艺术之花而对他民族艺术的奇花异草毫不动心，也实在难为我们的艺术家。“物以稀为贵”那种他民族拥有而本民族缺乏的事物，常常具有极大的诱惑力。正如人们常常不满足粗茶淡饭而追求饱眼福、饱口福一样，吃腻了大鱼大肉的贵族会对布衣之食垂涎。在不断的喜新厌旧和怀古中人类创造了今天的文明、今天的艺术；人类也会在新一轮喜新厌旧和怀古中创造出明天的新生活和新艺术。

只要各民族间的交往存在，艺术的交流就不可避免地会存在。艺术的民族性只有在与他民族的交往中，在世界艺术的舞台上展现自己的美丽并不断改变自己的舞姿，才真正具有魅力。对待西方艺术、西方文明既不必咬牙切齿，也不必趋之若骛。西方各种艺术既不是洪水猛兽，也不是济世良药。

我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术，这不仅不可能，而且无意义。我们也不必抱残守缺、孤芳自赏，我们应不断吸收他民族艺术的精华，以完善和发展本民族固有之艺术。同样我们也应看到，有些民族艺术、民间艺术并不具有世界性。我们的民族与世界其它民族一起构成一个大部队。我们不必裹着小脚、拖着长辫在世界文化的行列中行走。任何民族都不必亦步亦趋地跟在他民族艺术后面接轨。出污泥而不染的荷花并不拒绝污泥提供给它的养料。只有站在本民族及他民族前辈两个肩膀上，才能成为当代艺术的巨人。无论是艺术家还是艺术欣赏者，不仅要对本民族的艺术传统进行选择，对他民族的艺术也必须用我们的量规加以规范、选择。我们应提倡创造性地继承吸收，避免奴隶般地因袭。

在世界艺术的大舞台上，民族性才有意义，离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩，艺术的世界性也不复存在。

艺术的民族性是指“运用本民族的独特的艺术形式、艺术手法来反映现实生活，使文艺作品有民族气派和民族风格。”①具有民族性特点的艺术作品立足于本民族的文化艺术传统及审美意识，采用传统艺术形式创作，主要表现本民族人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术审美情趣。

艺术的世界性主张摆脱桎梏、解放思想、抛弃民族文化传统，是一种超阶级的势力扩充。②就艺术而言，是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。

关于艺术民族性与世界性的关系有以下两种观点，其一认为艺术的世界性超越民族性：由于时代的前进，文化艺术同经济一样会在相互借鉴的基础上趋于统一，形成具有同一特点的超越民族性的世界性艺术潮流，这种具有世界意义的国际化艺术将成为今后世界艺术发展的主流；其二认为艺术的世界性同样具有民族性。持这种观点的人认为：随着艺术的发展，以及人们对艺术民族性认识的深入，只有在积极吸收外来文化的基础上，不断发展民族艺术，才能使艺术作品具有真正的民族性。

毛泽东同志曾指出“近代文化，外国比我们高，要承认这一点。艺术是不是这样呢？中国在某一点上有独特之处，在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……象西太后反对‘洋鬼子’是错误的。要向外国学习，学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处，会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合，而不是套用外国的东西。……外国有用的东西，都要学到，用来改进和发展中国的东西，创造中国独特的新东西。”③

应当看到西方文化对经济落后的民族有着不可抵御的吸引力。正确认识艺术的民族性与世界性的辩证关系，对于处在世界各民族联系愈来愈紧密的今天尤其具有现实意义。

笔者以为艺术的民族性与世界性既不能等同，也不能截然分开。二者是互相联系又互相区别的一对矛盾的两个方面。

首先，保持艺术的民族性不能夜郎自大；不能因为本民族艺术曾滋养过他民族文化而藐视他民族文化。

正如当我们看到一个乞丐大言不惭地向人们诉说其祖其父曾经是如何如何的高官巨富时，相信任何人都不会同情他，甚至有人会骂他是败家子。先贤的荣耀是我们民族的光辉历史，它应成为我们今天发奋图强的动力，而决不是我们招摇撞骗的旗帜或涂脂抹粉的面霜。当我们夸耀中国画的写意境界如何之高：气运生动、骨法用笔等等，而贬斥西画虽工亦匠，不入画品时，在某种意义上也在承认中国水墨画粗枝大叶，西画精雕细刻。二者相辅相成。有阳光照射就会有阴影存在，这是人们早已深悉的道理。中国水墨画追求无暗面的画面效果，实则是在表达一种理想的追求、美好的向往，向往着这个世界没有黑暗、没有阴影，希冀我们的主人前途明媚、无上荣光。世界上能找到没有明暗对比的事物吗？孔雀开屏时，难免会将它难看的屁股展现无疑。万事万物无不如此。艺术应该保持本民族的独特个性。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。很难想象有一天各民族艺术失去本民族的艺术特色，全人类仅拥有一种艺术样式、艺术风格、艺术语言甚至表现内容时会怎样。这一天不仅难以想象而且根本不可能存在。即使到了共产主义社会，艺术的民族性也会象自然界中的花花草草千姿百媚一样，呈现出一派缤纷的景象。如果存在一种世界性的艺术样式、艺术风格、艺术语言，那么这不仅标志着艺术的消亡，也是人类社会的悲哀。花红柳绿相辅相成，世界艺术的繁荣也要求必须保持各民族艺术的个性。

斯大林同志曾把“表现于共同文化上的共同心理素质的稳定共同体”作为民族特点的一个必不可少的标准。那么，是否存在艺术民族性的标准？或者说，什么样的作品才称得上是具有民族性的作品？这不是一下子能够回答的。艺术的民族性本身也不是一种样式，而是百花齐放的。这“花”来自艺术家各自对传统的选择，来自个人的生活体验、人生体验、情感体验，甚至来自艺术家对民族艺术因素独特的吸收、借鉴。正是这些相异性使艺术的民族性本身也是多样的。艺术的民族性相对于艺术家个人创作而言又是一个共性的概念。艺术家的“个性”是它的基础。没有艺术家的创作个性也就没有民族艺术。所以，倡导艺术民族性时必须同时提倡艺术家的创作个性。

其次，保持民族性不能无视他民族艺术精华，吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。

艺术世界性不等于美国化，也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本，而且随着各民族艺术的发展，艺术的世界性同样处于发展之中，不是一成不变的。

中西融合不是将一瓶红墨水、一瓶黑墨水倾注在一起的黑红不分、非此非彼、非驴非马。就艺术而言，这不仅不必要，而且不可能。中西融合之“融合”是为了吸收他民族文化艺术之营养，正如人吃猪肉、羊肉，不是为了使自己变成猪、羊一样，这种吸收、借鉴，绝不是外表的摹仿、复制、克隆，而是为我所用，用以滋养我们的身心、我们的艺术，强我们的身、健我们的体，发展我们的民族艺术。

“如同我们对于食物一样，必须经过自己的口腔咀嚼和胃肠运动，……然后排泄其糟粕，吸收其精华”。④众所周知，西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华，但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华，必须具有明确目的，即为了促进本民族艺术的发展。

在今天这样一个被称为“地球村”的信息时代，若要求一民族艺术洁身自好、守身如玉不受他民族艺术丝毫影响，象牛郎、织女隔河相望而又互不倾慕，实在太难；如果要求艺术家在艺术荟萃的大花园中只采摘本民族艺术之花而对他民族艺术的奇花异草毫不动心，也实在难为我们的艺术家。“物以稀为贵”那种他民族拥有而本民族缺乏的事物，常常具有极大的诱惑力。正如人们常常不满足粗茶淡饭而追求饱眼福、饱口福一样，吃腻了大鱼大肉的贵族会对布衣之食垂涎。在不断的喜新厌旧和怀古中人类创造了今天的文明、今天的艺术；人类也会在新一轮喜新厌旧和怀古中创造出明天的新生活和新艺术。

只要各民族间的交往存在，艺术的交流就不可避免地会存在。艺术的民族性只有在与他民族的交往中，在世界艺术的舞台上展现自己的美丽并不断改变自己的舞姿，才真正具有魅力。对待西方艺术、西方文明既不必咬牙切齿，也不必趋之若骛。西方各种艺术既不是洪水猛兽，也不是济世良药。

我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术，这不仅不可能，而且无意义。我们也不必抱残守缺、孤芳自赏，我们应不断吸收他民族艺术的精华，以完善和发展本民族固有之艺术。同样我们也应看到，有些民族艺术、民间艺术并不具有世界性。我们的民族与世界其它民族一起构成一个大部队。我们不必裹着小脚、拖着长辫在世界文化的行列中行走。任何民族都不必亦步亦趋地跟在他民族艺术后面接轨。出污泥而不染的荷花并不拒绝污泥提供给它的养料。只有站在本民族及他民族前辈两个肩膀上，才能成为当代艺术的巨人。无论是艺术家还是艺术欣赏者，不仅要对本民族的艺术传统进行选择，对他民族的艺术也必须用我们的量规加以规范、选择。我们应提倡创造性地继承吸收，避免奴隶般地因袭。

在世界艺术的大舞台上，民族性才有意义，离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩，艺术的世界性也不复存在。

艺术的民族性是指“运用本民族的独特的艺术形式、艺术手法来反映现实生活，使文艺作品有民族气派和民族风格。”①具有民族性特点的艺术作品立足于本民族的文化艺术传统及审美意识，采用传统艺术形式创作，主要表现本民族人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术审美情趣。

艺术的世界性主张摆脱桎梏、解放思想、抛弃民族文化传统，是一种超阶级的势力扩充。②就艺术而言，是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。

关于艺术民族性与世界性的关系有以下两种观点，其一认为艺术的世界性超越民族性：由于时代的前进，文化艺术同经济一样会在相互借鉴的基础上趋于统一，形成具有同一特点的超越民族性的世界性艺术潮流，这种具有世界意义的国际化艺术将成为今后世界艺术发展的主流；其二认为艺术的世界性同样具有民族性。持这种观点的人认为：随着艺术的发展，以及人们对艺术民族性认识的深入，只有在积极吸收外来文化的基础上，不断发展民族艺术，才能使艺术作品具有真正的民族性。

毛泽东同志曾指出“近代文化，外国比我们高，要承认这一点。艺术是不是这样呢？中国在某一点上有独特之处，在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……象西太后反对‘洋鬼子’是错误的。要向外国学习，学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处，会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合，而不是套用外国的东西。……外国有用的东西，都要学到，用来改进和发展中国的东西，创造中国独特的新东西。”③

应当看到西方文化对经济落后的民族有着不可抵御的吸引力。正确认识艺术的民族性与世界性的辩证关系，对于处在世界各民族联系愈来愈紧密的今天尤其具有现实意义。

笔者以为艺术的民族性与世界性既不能等同，也不能截然分开。二者是互相联系又互相区别的一对矛盾的两个方面。

首先，保持艺术的民族性不能夜郎自大；不能因为本民族艺术曾滋养过他民族文化而藐视他民族文化。

正如当我们看到一个乞丐大言不惭地向人们诉说其祖其父曾经是如何如何的高官巨富时，相信任何人都不会同情他，甚至有人会骂他是败家子。先贤的荣耀是我们民族的光辉历史，它应成为我们今天发奋图强的动力，而决不是我们招摇撞骗的旗帜或涂脂抹粉的面霜。当我们夸耀中国画的写意境界如何之高：气运生动、骨法用笔等等，而贬斥西画虽工亦匠，不入画品时，在某种意义上也在承认中国水墨画粗枝大叶，西画精雕细刻。二者相辅相成。有阳光照射就会有阴影存在，这是人们早已深悉的道理。中国水墨画追求无暗面的画面效果，实则是在表达一种理想的追求、美好的向往，向往着这个世界没有黑暗、没有阴影，希冀我们的主人前途明媚、无上荣光。世界上能找到没有明暗对比的事物吗？孔雀开屏时，难免会将它难看的屁股展现无疑。万事万物无不如此。艺术应该保持本民族的独特个性。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。很难想象有一天各民族艺术失去本民族的艺术特色，全人类仅拥有一种艺术样式、艺术风格、艺术语言甚至表现内容时会怎样。这一天不仅难以想象而且根本不可能存在。即使到了共产主义社会，艺术的民族性也会象自然界中的花花草草千姿百媚一样，呈现出一派缤纷的景象。如果存在一种世界性的艺术样式、艺术风格、艺术语言，那么这不仅标志着艺术的消亡，也是人类社会的悲哀。花红柳绿相辅相成，世界艺术的繁荣也要求必须保持各民

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