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当代艺术形式参与景观设计（当代艺术形式参与景观设计研究）

发布时间：2023-03-29 20:04:30 稿源：创意岭阅读： 102 当前文章关键词排名出租

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本文目录:

1、形式美法则和景观设计的联系是什么？
2、当代环境艺术的设计主要表现，体现在什么地方？
3、当代艺术与设计的关系
4、景观艺术设计有哪些特征？

当代艺术形式参与景观设计（当代艺术形式参与景观设计研究）

一、形式美法则和景观设计的联系是什么？

第一次回答可获2分，答案被采纳可获得悬赏分和额外20分奖励。式美的法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括：对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律和多样统一。

形式美的法则在美的创造中的意义有：

1、研究、探索形式美的法则，能够培养我们对形式美的敏感，指导人们更好地去创造美的事物。

2、掌握形式美的法则，能够使我们更自觉地运用形式美的法则表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。

运用形式美的法则应注意：

3、运用形式美的法则进行创造时，首先要透彻领会不同形式美的法则的特定表现功能和审美意义，明确欲求的形式效果，之后再根据需要正确选择适用的形式法则，从而构成适合需要的形式美。

4、式美的法则不是凝固不变的，随着美的事物的发展，形式美的法则也在不端发展，因此，在美的创造中，既要遵循形式美的法则，又不能犯教条主义的错误，生搬硬套某一种形式美法则，而要根据内容的不同，灵活运用形式美法则，在形式美中体现创造性特点。

探讨形式美的法则，是所有设计学科共通的课题，那么，它的意义何在呢?在日常生活中，美是每一个人追求的精神享受。当你接触任何一件有存在价值的事物时，它必定具备合乎逻辑的内容和形式。在现实生活中，由于人们所处经济地位、文化素质、思想习俗、生活理想、价值观念等不同而具有不同的审美观念。然而单从形式条件来评价某一事物或某一视觉形象时，对于美或丑的感觉在大多数人中间存在着一种基本相通的共识。

在西方自古希腊时代就有一些学者与艺术家提出了美的形式法则的理论，时至今日，形式美法则已经成为现代设计的理论基础知识。在设计构图的实践上，更具有它的重要性。

形式美法则主要有以下几条：

和谐

宇宙万物，尽管形态千变万化，但它们都各按照一定的规律而存在，大到日月运行、星球活动，小到原子结构的组成和运动，都有各自的规律。爱因斯坦指出：宇宙本身就是和谐的。和谐的广义解释是：判断两种以上的要素，或部分与部分的相互关系时，各部分所给我们的感受和意识是一种整体协调的关系。和谐的狭义解释是统一与对比两者之间不是乏味单调或杂乱无章。单独的一种颜色、单独的一根线条无所谓和谐，几种要素具有基本的共通性和溶合性才称为和谐。比如一组协调的色块，一些排列有序的近似图形等。和谐的组合也保持部分的差异性，但当差异性表现为强烈和显著时，和谐的格局就向对比的格局转化。

对比与统一

对比又称对照，把反差很大的两个视觉要素成功地配列于一起，虽然使人感受到鲜明强烈的感触而仍具有统一感的现象称为对比，它能使主题更加鲜明，视觉效果更加活跃。对比关系主要通过视觉形象色调的明暗、冷暖，色彩的饱和与不饱和，色相的迥异，形状的大小、粗细、长短、曲直、高矮、凹凸、宽窄、厚薄，方向的垂直、水平、倾斜，数量的多少，排列的疏密，位置的上下、左右、高低、远近，形态的虚实、黑白、轻重、动静、隐现、软硬、干湿等多方面的对立因素来达到的。它体现了哲学上矛盾统一的世界观。对比法则广泛应用在现代设计当中，具有很大的实用效果。

对称

自然界中到处可见对称的形式，如鸟类的羽翼、花木的叶子等。所以，对称的形态在视觉上有自然、安定、均匀、协调、整齐、典雅、庄重、完美的朴素美感，符合人们的视觉习惯。平面构图中的对称可分为点对称和轴对称。假定在某一图形的中央设一条直线，将图形划分为相等的两部分，如果两部分的形状完全相等，这个图形就是轴对称的图形，这条直线称为对称轴。假定针对某一图形，存在一个中心点，以此点为中心通过旋转得到相同的图形，即称为点对称。点对称又有向心的“求心对称”，离心的“发射对称”，旋转式的“旋转对称”，逆向组合的“逆对称”，以及自圆心逐层扩大的“同心圆对称”等等。在平面构图中运用对称法则要避免由于过分的绝对对称而产生单调、呆板的感觉，有的时候，在整体对称的格局中加入一些不对称的因素，反而能增加构图版面的生动性和美感，避免了单调和呆板

衡器

在衡器上两端承受的重量由一个支点支持，当双方获得力学上的平衡状态时，称为平衡。在平面构成设计上的平衡并非实际重量×力矩的均等关系，而是根据形象的大小、轻重、色彩及其他视觉要素的分布作用于视觉判断的平衡。平面构图上通常以视觉中心（视觉冲击最强的地方的中点）为支点，各构成要素以此支点保持视觉意义上的力度平衡(如图。在实际生活中，平衡是动态的特征，如人体运动、鸟的飞翔、野兽的奔驰、风吹草动、流水激浪等都是平衡的形式，因而平衡的构成具有动态

比例

比例是部分与部分或部分与全体之间的数量关系。它是精确详密的比率概念。人们在长期的生产实践和生活活动中一直运用着比例关系，并以人体自身的尺度为中心，根据自身活动的方便总结出各种尺度标准，体现于衣食住行的器用和工具的制造中。比如早在古希腊就已被发现的至今为止全世界公认的黄金分割比1：1．618正是人眼的高宽视域之比。恰当的比例则有一种谐调的美感，成为形式美法则的重要内容。美的比例是平面构图中一切视觉单位的大小，以及各单位间编排组合的重要因素。

重心

重心在物理学上是指物体内部各部分所受重力的合力的作用点，对一般物体求重心的常用方法是：用线悬挂物体，平衡时，重心一定在悬挂线或悬挂线的延长线上；然后握悬挂线的另一点，平衡后，重心也必定在新悬挂线或新悬挂线的延长线上，前后两线的交点即物体的重心位置。在平面构图中，任何形体的重心位置都和视觉的安定有紧密的关系。人的视觉安定与造形的形式美的关系比较复杂，人的视线接触画面，视线常常迅速由左上角到左下角，再通过中心部分至右上角经右下角，然后回到以画面最吸引视线的中心视圈停留下来，这个中心点就是视觉的重心。但画面轮廓的变化，图形的聚散，色彩或明暗的分布等都可对视觉重心产生影响。因此，画面重心的处理是平面构图探讨的一个重要的方面。在平面广告设计中，一幅广告所要表达的主题或重要的内容信息往往不应偏离视觉重心太远。

节奏与韵律

节奏本是指音乐中音响节拍轻重缓急的变化和重复。节奏这个具有时间感的用语在构成设计上是指以同一视觉要素连续重复时所产生的运动感。

韵律原指音乐（诗歌）的声韵和节奏。诗歌中音的高低、轻重、长短的组合，匀称的间歇或停顿，一定地位上相同音色的反复及句末、行末利用同韵同调的音相加以加强诗歌的音乐性和节奏感，就是韵律的运用。平面构成中单纯的单元组合重复易于单调，由有规则变化的形象或色群间以数比、等比处理排列，使之产生音乐、诗歌的旋律感，称为韵律。有韵律的构成具有积极的生气，有加强魅力的能量穿针引线

联想与意境

平面构图的画面通过视觉传达而产生联想，达到某种意境。联想是思维的延伸，它由一种事物延伸到另外一种事物上。例如图形的色彩：红色使人感到温暖、热情、喜庆等；绿色则使人联想到大自然、生命、春天，从而使人产生平静感、生机感、春意等等。各种视觉形象及其要素都会产生不同的联想与意境，由此而产生的图形的象征意义作为一种视觉语义的表达方法被广泛地运用在平面设计构图中。

随着科技文化的发展，对美的形式法则的认识将不断深化。形式美法则不是僵死的教条，要灵活体会，灵活运用

二、当代环境艺术的设计主要表现，体现在什么地方？

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三、当代艺术与设计的关系

例：俄国的构成主义运动是二十世纪初国际现代主义运动的重要内容之一。俄国构成主义设计是俄国十月革命胜利前后在俄国一小批先进知识分子当中产生的前卫艺术运动和设计运动。构成主义的目的是改变旧的社会意识，提倡用新的观念去理解艺术工作和艺术在社会中应扮演的角色，坚决的提出设计为社会服务。构成主义的艺术家希望通过对造型艺术的词汇和构成手法的再定义，为未来的人们创造一种新的生活方式。

至上主义和构成主义为人们揭示了一个普遍规律：视觉艺术的某一要素，如线条、色彩、形式、都具有其自身的表现力，从而独立于世界表象的任何关系之外。马列维奇(Kasimir Malevich)、嘉博(Gabo)、克利(Klee)等人，他们把最新奇的抽象艺术带入构成主义体系中来。二十世纪初的现代艺术，尤其是立体主义和构成主义雕塑的几何造形和构成形式，对二维艺术设计和建筑空间设计有很大参考价值。

一：二维艺术设计

至上主义代表人马列维奇的平面作品把单纯的几何形作各种组合、色调单一，却传达了一种动力感和空间感。他运用富于动态的斜方组合把画面安排得紧张和复杂，几何构成表现了情感的波动。马列维奇的学生李西茨基（FL Lissitzky）是传播俄国至上主义的重要人物，它的平面作品《用红色锲子打入白色》是采用完全抽象的形式，强烈地表达出革命观念的现代海报之一。李西茨基强调抽象形式与社会应用的结合，把几何造形、照片和字体以一种前卫的方式组合起来，从中可以看到“现代”设计的特点。电影《战舰波将金号》海报设计背景是抽象的线条构成，主体则是在呐喊的水手，将几何造形、照片和字体设计元素有机地结合起来。他把照相技术引入平面设计，制作成照相蒙太奇地效果，体现了构成主义所推崇地机械韵律感。苏联导演爱森斯坦创造了构成主义式的新电影剪辑手段蒙太奇，他导演的电影《战舰波将金号》充分体现了这种风格。

亚历山大·罗钦可（A1exander M．Rodchenko）是构成主义的三位创始者之一。他不但是苏俄有史以来最重要的摄影家，也是苏俄十月革命中的重要艺术导师。罗钦可的观念是最激进的。他在一九二三年又发表了惊人的学说，声称“绘画已死，艺术家应同时具备画家、设计家和工程师的三重任务。”然后就从此搁下画笔、油彩，而拿起相机。他认为：“相机是社会主义之社会与人民的理想眼睛。” “只有摄影能回应所有未来艺术的标准。”他们在自己的文化环境中，为着一种变革而努力工作。在他们的作品中通过一种纯几何的观念显示出反个人主义的思想。半个多世纪后的今天，在当代摄影家的作品中，也表现出一种构成主义造形理念的影响。这也许正是我们的艺术继承传统的结果。而怎样对待继承与革新，也是每位摄影家应该深思的问题。

构成主义风格影响到许多欧洲国家的平面设计，如包豪斯的莫霍里-纳吉（Moholy-Nagy）的设计当中反映尤其明显。他的平面作品全都是绝对抽象的作品，他设计的包豪斯丛书、海报、拍摄的照片和制作的电影，都具有强烈的理性特征，并且显示了理性化对于设计造成的积极效果。他相信简单结构的力量，利用平面来表达这种力量。当代美国的设计大师艾普瑞乐（April Greiman）版面的空间化设计，在一定程度上显然是借鉴了构成主义大师李西茨基对于空间、平衡和造型的视觉思想，并将其应用到了实践中。她强调人的直觉性对设计的决定作用，重视形式的表现力，主张为了表现可以牺牲可读性。艾普瑞尔的版面设计，一方面强调视觉中的二维性表达方式，即运用平面化的语言。另一方面，她却又利用编排方面的技巧，把深度感引进到版面中。重叠的造型，极具指示性和众多性格不同的标记线，富有动感、方向感及空间悬浮感的几何图形，暗示出了强烈的透视关系。这是使她的设计作品充满活力的关键所在。

二：空间设计

马列维奇设计了一些所谓至上主义的建筑模型，例如《空间中的独立形式》，这些模型成为以后建筑的重要蓝图，而且影响了现代建筑的国际风格的进程。俄国构成主义的影响在沃尔特·格罗佩斯(Walter Gropius)地设计中表现非常鲜明。构成主义把结构当成是设计的起点，以此作为建筑表现的中心，这个立场成为世界现代主义建筑的基本原则。

塔特林(Tatlin)是构成主义的奠基人，他把各种材料在一系列几何造形的基础上作了研究，认为材料和有机组合的造形是一切设计的基础。《第三国际纪念碑》是塔特林的代表作，它是雕塑、建筑与工程结合在一起的抽象构成，使用了动力、空间和各种材料，体现了构成主义关于空间、时间、运动和光的宏伟构思。进行虚拟空间设计的要素是与构成主义雕塑一致的。构成主义雕塑对材料和机械结构的特质有着深入的思考和理解，他们用立方体、圆柱体构成宏伟建筑式结构，既表现了工业时代特有的冷漠和非人格性亦在大自然威力的反衬下显出“机器静止时的深刻沉默”。

嘉博(Gabo)的雕塑把体量转变成线条和平面轮廓，认为艺术的重点应是在空间中的势，而不再量感，它首先把机械动力的真实运动引入雕塑，创造了最初的活动雕塑。现代装置艺术受到嘉博雕塑风格的影响，装置艺术似乎满足了繁忙的当代人的生理需要和心理平衡，充分反映变化中的世界，因为装置艺术中静止的物品并不是绝对静止的，它们所存在的空间环境和社会处于永恒的运动中，因此它们本身的意义也在不断变化。

对于俄罗斯的构成主义者们，他们已超越了马利维奇，他们为艺术是自治的精神活动的观念而辩护，正是塔特林首倡了这一观念，后由他的制作主义继承者采用并得到发展。这一观念认为艺术家应该接受再培训以成为合格的技师和工程师，为的是在现代工业社会里能够取得与工人兄弟们一样的地位。技术艺术（Technology Art）最重要的一项资源是与重新解释与利用运动艺术（Kinetic art）和光-动艺术（Lumino-Kinetic Art）中再现的光与运动有关的。在德国魏玛的包豪斯实验艺术家发展了一种结合光和运动的艺术。包豪斯的莫霍利·纳吉和亚历山大·卡尔德（Alexander Calder）各自独立地在20年代和30年代探索一种真实的运动艺术，但是只是到50年代，动态艺术（Kinetic Art）才真正形成。

无论我们是进行平面设计或空间设计，构成主义艺术家所创造的造形方法对于现代设计有着非常重要的指导作用。

四、景观艺术设计有哪些特征？

1、景观艺术设计的综合性

景观艺术设计是将城市、广场、街道、园林、建筑物、壁画、广告、公共设施等看成是一个多层次、多元化的有机综合体，虽然它有时是以几组形式出现，有时是以相对单一的独立个体出现，然而解决上述问题却要求兼顾到整体的环境，是在一个被“创造”出来的人造环境空间基础上实现的二次创造。涉及到人文科学、艺术学、社会学、视觉心理学、民俗学、材料学等学科，并纳入总体环境的规划系统中，所以设计上的综合性将直接构成对受众人的心理、行为及社会产生深远影响。 2、景观艺术设计的开放性

作为建筑外部视觉空间，景观艺术必定应是一个开放型的、公开的、有公众参与批评认同的公共性空间场所，这些公共性的场所往往是人流不息、车辆往来、视野开阔的开放性空间，如城市中的广场及绿地，为人们的生活提供了一个共享的外部空间，在这里人与人相互交流，在满足人的社会属性的同时，也体现出人自身存在的价值。优秀的广场和绿地作为建筑物之间的联系纽带，在提升城市品格、提高居民审美情趣方面，有着其它艺术形式不可替代的作用，因此，任何区域中的景观艺术开放性是必须的，无论是在整体规划上，还是在景观造型上，都应具有现代人认同的艺术空间形态，并使这种形态折射出时代特征的精神风貌。

3、景观艺术设计的民众性

特定区域的文化，影响着特定区域的民众，也直接影响着城市景观的建设，优秀的城市景观又反过来影响及感染民众的行为及心理。民众对城市环境的行为举止体现出人对所见所闻对环境的解释，对环境的感觉、信念与判断。建筑、城市、景观等构成一种长期传承的深厚的文化因素，在传播过程中被人接受并转化为民众的审美情趣，产生认同感与归属感。不同的教育背景、不同民族、不同宗教信仰、不同的社会层次的人在同一环境中以相似的或不同的方式行事，而他们的行为又与对环境的知觉、认识、态度和价值观相关。作为公共环境中的景物，应具有与公众产生交流的特性，它不是完全独立的作品，而是具有公众对作品的可及性、参与性，它应是一种生活的艺术体现。因此，景观艺术设计应强调民众审美的公共性，在造型、色彩、体量、材料的运用中，将大众的审美心理、大众的物质需求作为基点考虑，使设计的景观艺术雅俗共赏，与民众产生亲和性。 4、景观艺术设计的独特性

由于受自然、区域及不同时代、社会等因素的影响，城市环境空间表现出复杂多变的空间形态，由此产生了不同自然景观、人造景观及社会景观，这种特定区域的景观综合体，要求景观艺术设计应呈现出既综合多元又独特鲜明的景观风格，独特鲜明的艺术景观能唤起民众情感的激荡，留下深刻的记忆，满足人们对美好生活与鲜明个性的追求。 5、景观艺术设计的延续性

城市是历史的延续，既有“历时性”又有“共时性”，“历时性”即城市的构成，有一种历史的过程与先后顺序，以历史的遗存给人以自然、亲切、丰富而不刻意的印象。所谓“共时性”，即城市的建筑、景观设施，无论古代、近代、现代都在同一时空中，在“四维空间”中作为共存的事物呈现，有一种相互匹配、兼容、协调的关系，作为历时性的纵向脉络与共时性的横向关系相辅相成。只要增补适当、珍视历史遗存，将会形成独特的有文脉和现代的人文特色景观。

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