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艺术家个人品牌建设（艺术家个人品牌建设案例）_1

发布时间：2023-03-03 05:02:58 稿源：创意岭阅读： 1040 问大家

大家好！今天让创意岭的小编来大家介绍下关于艺术家个人品牌建设的问题，以下是小编对此问题的归纳整理，让我们一起来看看吧。

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本文目录:

1、有哪些关于建筑设计的电影推荐？
2、《像艺术家一样思考》丨投身热爱坚持所爱，每个人都是艺术家
3、在线艺术的代表是什么?
4、《现代艺术150年，一个未完成的故事》：艺术还可以是什么？

艺术家个人品牌建设（艺术家个人品牌建设案例）_1

一、有哪些关于建筑设计的电影推荐？

建构非洲，这片大陆的建筑，阿尔瓦.阿尔托:科技与自然。窄地建造。

二、《像艺术家一样思考》丨投身热爱坚持所爱，每个人都是艺术家

聆听莫扎特，欢快喜乐的音符仿佛在眼前跳舞；

阅读仓央嘉措，情意绵绵的一世情长跃然纸上；

欣赏达芬奇，一种莫名的爱娇，把我摄像着蒙娜丽莎；

……

艺术家何以成为了艺术家？

艺术家是如何获得灵感，又是如何找到独特风格或创作主题的呢？

《像艺术家一样思考》作者BBC艺术频道主编威尔·贡培兹发现，这些世界上最顶尖级的最伟大的创意思想家，都是极度好奇的、勇敢的、懂得思考的。

人工智能时代的到来，越来越多的人工被淘汰，而永远不会被取代的人，就是具有艺术家品质的人。因为机器人没有人类的大脑，没办法创作，它可以去执行人类的命令，但无法像人类一样拥有情感、热情激情，去从无到有地创造一个具有生命力的艺术品。

我们如何成为一个活在未来的人？我们每个人都能借鉴艺术家的经历，借助艺术家的品质，那么现在，是时候像艺术家一样思考了！

像艺术家一样思考，最重要的是学习艺术家内心血液中所散发的自信心。

【每一个人都是一个艺术家】

巴勃罗·毕加索说过：“每个孩子都是艺术家，问题是怎么在长大之后仍然保持这份天赋。”

每一个人都是拥有创造能力的，为什么成长中有的人泯然众人矣，有的人不断进化成为了艺术家？这中间最大的差别是在哪里？

作者说：所有的成功的创意，无论小说家还是电影创意，哲学家，他们都有清晰可辨的特点。这些特点并不是说稀奇的超凡脱俗的品质，而是每个人身上都有，只是有的人忘记了，在这些所有成功的创意人身上，他们都是非常有自信心的人。

综艺节目《乐队的夏天》中，盘尼西林直言：我们就是中国最好的90后乐队，没有之一；Click#15对不喜欢的音乐一脸鄙夷，狂傲嚣张，但是一旦沉浸音乐，中国最火的火星哥Ricky+六指琴魔杨策的完美搭档，无人能敌。他们对自己极度的自信，不需要征求意见，这就是摇滚乐队的姿态，靠着身体的热情猛烈向上生长。敢于对命运说yes，并且负起全部责任，他们的生命蓬勃着无限的张力。

【艺术家不会等待他人的邀请】

艺术家在绘画、写作、表演、歌唱之前，并不会征求任何人的允许，而是随心而行。艺术家的创造力并不足以将他们与普通人分开来，或者说拉大彼此的距离。因为创造力人皆有之，重点在于艺术家能找到自己感兴趣的领域，并且对这个领域给与极大的关注，这点燃了他们的想象力，让他们的才能有处可使。

为什么找到优势如此重要？因为投身热情优势中，自信心是可以滋生出来的。一个人的生命力是建立在信心基础之上的。“每个人对自己的信心是不一样的，只要携带着信心的力量，无论做什么事情，都是对的，因为整个人的状态合频率是对的，所以无论做什么事都是对的。但是有的人每一天都活在自我否定中，每一天都活在自我抨击中，无论什么样的人给与他什么建议，最终都是没有办法去呈现，身体的那股信念信心没办法支撑他将才华推出去。”

【艺术家不一样的工作和思考方式】

艺术家10大品质：艺术家富有事业心的、艺术家不会失败、艺术家是极度好奇的，艺术家会偷窃，艺术家是怀疑论者、艺术家会“致广大而尽精微”、艺术家有自己的观点，艺术家是勇敢者，艺术家会停下来思考、所有的学校都应该是艺术学校。

1、艺术家都是富有事业心的，艺术家都是企业家，他们的本质都是让事情从无到有，是创造。

有的人因为看见而相信，成为大多数人；有的人因为相信而看见，成为极少数人。当他们相信时，事情只存在脑海中，处于空无的状态，他们脑海中有蓝图，凭借双手在这个世界上从无到有创造出来，让更多人看见。能够支撑他们创造的是，来自内心丰富的想象力。爱默生说过一句话：在艺术中，我们的手永远都没办法塑造出高于我们心灵所想象的事物。

想象，你现在所有创造出来的东西，触目可及的东西，比如电脑、音响、机柜等，最初都是存在设计者脑海中的想象。

当我在厦门游玩，看到上面这组树根时，仔细观察：盘根错节中，时而，它们像一只只马良之笔，诉说历史故事；时而，它们像翩翩舞者，随风而动；时而，它们又像一群勇猛的战士，一声号令，冲锋陷阵……透过内心想象，它们可以成为很多不一样的东西。这个过程就是启动艺术家的大脑，从无到有的创造。

艺术家并不难并不远。只是你把一件大家习以为常的熟悉的不能在熟悉的事件，开辟另外一个全新的视角全新版本，那每个人都是艺术家。这种能力极具有商业价值。

2、艺术家不会失败。

如果去梳理天才创造者们——无论是企业家、科学家还是艺术家——的职业生涯，你可能会发现一个他们身上让人意想不到的共同特点。他们的成功常常是由B计划实现的。

本来是演员的莎士比亚成为了剧作家；达芬奇最初是以武器设计师的身份去推销自己的。只要带着觉知，查证的思维，艺术家靠B计划成功的人特别特别多。

这给我们的启发是，那些成功的人从来不会放弃，当他无路可走时，一定不是停下来抱怨，而是在此基础上不断尝试扩展，最后发现一条全新的道路帮助自己走下去。

那些追求有创造性目标的人，会把生活当做实验室，你所做的一切都不会浪费。在艺术家那里，是没有失败概念的，即使碰到了失败，仍然会思考哪些是继续往下走时可以继续保存的，哪些是可以放弃的。

那些保留下来的往往成为B计划。UP子木，在传统媒体走不通时，就开始尝试B计划，创办UP读书会，慢慢找到自己的天赋热情。

给自己留有B计划。

作为人类，我们每个人天生有创造的资本和需求，唯一要决定的是我们要表达什么，通过什么媒介去表达，去创立公司、发明产品、设计一个网站、绘制一幅画、研发一种疫苗等。每个人都要决定自己去表达什么。因为每个人都是独一无二的，一定找到自己的激情点。比如画画、美食、玛雅解读、摄影、写作，把天赋和表达吻合在一起，这样可以持续得久。

3、艺术家都是会“偷窃”的。

艺术家非常擅长借鉴、混血。

牛顿曾说：我之所以成功，是因为站在巨人的肩膀上。

毕加索说：优秀的艺术家模仿，伟大的艺术家偷窃。这反应了艺术家的共性：他们都是集各种知识、门派于一身的。

毕加索其实是非常擅长偷窃别人智慧的人，他学习梵高、塞尚、莫奈、非洲雕塑，将别人的智慧和创意融为一体形成他自己的东西。

4、艺术家都是极度好奇的。

创造出有趣事物的前提就是对一些事物感兴趣。那些激情，热情，是鞭策我们不断求知的力量所在。这股力量让我们产生了思考的冲动，去学习新知，从而激发想象力，去行动，去尝试，让一个个想法落地。这才是一个创意产生的过程啊。

在这个过程中，全身心投入一个特定的领域很重要，毕竟时间精力都是有限的，只有将注意力投入到你真正热爱的方面，才有可能唤起你的创意。

所以，我们在日常生活中，要特别保护好孩子的好奇心，好奇心会引领他找到热情，主动求知，不断思考，获得知识，激发想象力，灵感和创意一个个冒出来。

5、艺术家要有自己的观点。

无论个人品牌还是IP，都要有自己的价值观，不断持续输出。

每个艺术家都要有自己的观点表达。当你在看待一件事时，你要有自己独一无二坚定的观点表达。

一个重要的方法是，看书、旅行。不要让自己空有观点，不能只说不做。还要多做事、做成事，这样你的观点才能有理有据。

让自己改变观点的一个非常棒的方法：其实有一种已经被证实的非常有效的方法，就是去改变环境。改变你的环境能够完全改变你的观点，因为思路的中断将使你不得不去面对不熟悉的事物，这会刺激你的感官，你将从不同角度去看待和体验生活，于是你捕捉和表达情感的冲动就会被增强。

这就是大家远离家乡时更喜欢拍照的原因吧。你会发掘那些不引人注意的主题，同时对那些已经很熟悉的内容产生全新的意识，这种改变可能意味着要更换工作、搬家、或者是搬到另外一个城市。比如当代艺术家彼得多一格，甚至为此搬家到另外一个大洲。

有时间就多去旅行吧。旅行可以让我们惯性的思维中断，到一个陌生环境里，必须用不同的视角方法跟不同的人打交道。旧有的东西松弛掉了后，才会有新的东西涌现出来。

读万卷书，行万里路。当你的脑海发出生命力的灵光，那就是具有创造力的样子。

三、在线艺术的代表是什么?

互联网时代，艺术家品牌的传播方式。

这方面已经从其他领域得到了验证并有效发展，比如说微信公众号就是活生生的例子，其口号为“再小的个体，也有自己的品牌”。还有今日头条等。都是去中心化，由作者创造和通过内容输出，达到个体声音的传播。当然，任何有传播力量的平台，都会有商业化的生态链形成。但至少，从此以后，最小单位的个人也进入了围剿的队伍，大量的个人大V的出现，真的很好玩。艺术家这个群体与网红多么相似，每个收藏家都有明显锁定的艺术家对象，所以说艺术家本身就具备强烈的个人IP特质。但尽管如此，艺术家这个群体非常慢热的，有些甚至是反商业进程的。特别是对个人品牌而进行内容输出本身也是个相对专业的领域，这个群体缺少时间及专业能力在互联网上做个人品牌输出，因为艺术的创造过程是个体长期持续沉浸及思想碰撞的过程，别说搞个人公众号，我们看看身边真正的艺术家，有多少变成了生活低能儿、经济低能儿、社交低能儿。（特别说明一下，很小部分有经纪人或机构协作做品牌传播的除外）撬动这个群体的个人传播积极性，绝对是个有意义的事情。

四、《现代艺术150年，一个未完成的故事》：艺术还可以是什么？

提起现代艺术，你脑海中跳出来的印象是什么？是毕加索那看上去支离破碎的立体主义画作、让人一脸懵逼的杜尚小便池作品，还是达利笔下莫名疲软的时钟？当你走进美术馆试图参考展览手册欣赏当下艺术家所创作的各种令人“费解”的现代艺术作品，是否发现却更加茫然沮丧——这也能称作艺术？艺术难道不应该如达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔的作品那样充满美感令人赏心悦目吗？

的确，在许多人的认知里，艺术作品就应该是对这个世界的美化再现，给人带来心灵的愉悦，为生活带来舒适的点缀。然而，艺术的价值与意义远不止于此。那么，艺术还可以是什么？英国著名艺术评论家、泰特美术馆前媒体主管、被纽约《创意》杂志评为世界上最有创意的50位思想家之一的威尔•贡培兹撰写的这本《现代艺术150年，一个未完成的故事》或许可以带给你一些启示。带着这个疑问，我们不妨跟随作者幽默生动的讲述，打开现代艺术史地图，开启一场现代艺术发展的探索之旅。

自19世纪下半叶以来，随着数次工业革命带给人类的科技进步与经济社会飞速发展变革，属于意识形态领域的上层建筑艺术也经历了150多年的不断演进，对古典艺术传统进行了颠覆与反叛。发端于印象派的现代艺术，从立体主义、表现主义、原始主义到达达主义、超现实主义、波普艺术、观念主义直至后现代主义等，通过一次次的运动和主义对“何为艺术”进行了重新定义，让艺术不再必须与美有关，而更多地关乎理念，艺术家可选择任何媒介以不设限的方式来传递诠释这些理念。

颠覆古典艺术技法传统，开启色彩与构图的革命

19世纪中后期，随着摄影的发明，历来专注于用传统写实手法再现创作对象真实性的古典艺术不再具备优势。在颜料技术的改良进步之下，以莫奈、马奈等为首的前印象派艺术家摈弃古典艺术传统的室内作画方式，纷纷走出画室，学习在大自然和新兴城市环境中用画笔捕捉呈现日常生活场景中光影的迷人变换；由此拉开了一场艺术发展史上轰轰烈烈的色彩与构图的颠覆革命序幕。

经过印象派近半个多世纪对巴黎学院派刻板僵硬及新古典主义复兴传统的抵制与反叛，梵高在继承印象派前辈户外作画的技法基础上，结合日本浮世绘技法，选择通过扭曲笔下的形象用强烈的对比色彩以更具夸张表现力的手法进行创作，不仅描绘所见更表达情感，催生出20世纪意义深远经久不衰的表现主义运动，影响了一代又一代现代艺术大师；他的好友高更则通过走进塔希提岛用鲜明的色彩形象和丰富的想象力描绘雕刻土著生活，开创了对毕加索、贾科梅蒂等人影响深远的原始主义风格。

而作为印象派艺术集大成者的塞尚则用“双眼作画”，为现代艺术创作技法带来革命性的突破——一改以往艺术从单一视角观察创作，从多个不同角度观看物体并统一进行构图以还原所见的“真实性”，由此推开了现代主义的大门。正是这一颠覆性的创作理念深深影响了毕加索，并催生出后者以多重视觉进行解构创作的伟大的立体主义风格。今天当我们站在毕加索的代表作《亚威农的少女》或《格尔尼卡》面前，不会再像百年前受古典艺术思维束缚的观众那样质疑作品如儿童涂鸦般稚嫩，而是感谢艺术还可以这样为我们提供对世界不同维度的呈现。

与此同时，诞生于20世纪初的野兽派则从色彩方面在梵高、修拉等人的基础上将创作中的色彩斑斓颠覆地发挥到极致：在马蒂斯典型野兽派作品《生之欢乐》中，草地变成了蓝紫色、树木混杂着绿色和橙色，而天空则是粉红色，这种奇特的颠覆性色彩组合不但没有荒诞感反而呈现出主题的勃勃生机。正如其当初被保守艺术势力所讽刺的“野兽”作风，艺术家们像诗人运用词语那样充满想象力地自由运用色彩，目的是直指事物的本质并传递情绪。而承袭了其色彩运用衣钵的青骑士俱乐部则创造性地进行跨界，将音乐融入色彩的情感表达中，如康定斯基在其代表作《作曲》系列中创造出以颜色为音符、以构图为音调的观赏体验。

重新定义艺术：一场与时俱进的观念游戏

如果说由印象派催生的立体主义、表现主义、原始主义还只是从艺术创作技法上对古典艺术的颠覆与反叛，那么1917年杜尚以商店采购的小便器创作的现成品艺术《泉》石破天惊般的出现，则将其后百年来的现代艺术创作发展引向了一个贯穿始终的主题——重新定义艺术。

作为观念艺术之父，在杜尚看来，艺术家不应该被限于绘画与雕塑这样严格的媒介范围内来表达他们的理念和情感；概念是第一位的，而后才应该考虑什么是表达概念可能的最好形式。于是，艺术不必再必须与美有关，它更多地关于理念，而这些理念可以由艺术家选择任何媒介来实现。

比如现代艺术中以神秘、怪诞闻名于世的超现实主义，深受弗洛伊德潜意识理论影响，通过疯狂的生动意象颠覆现实，或如玛格丽特用离奇怪诞的元素揭露平常事物下不平常的邪恶，或如达利笔下的软化时钟传递来自性无能恐惧、以及时间无情和死亡侮辱的不安。这些如梦境一般的作品无法带给人视觉上的美感及心理上的愉悦，却往往能引发观者的情绪感应和思考。

而20世纪下半叶先后涌现的波普艺术、观念主义、后现代主义等更进一步诠释了现代艺术的发展核心理念：观念才是艺术品，折射出其所处的社会政治经济科技环境，为了唤醒我们的感官挑战自我、帮助我们明白事理重审事物。

安迪沃霍尔通著名的《金宝汤罐头》和《玛丽莲双联画》将波普艺术对商业社会消费主义和流行文化的描摹与反讽发挥得淋漓尽致；而阿莫拉维奇在纽约现代艺术博物馆令人轰动的行为艺术《艺术家在场》则直接将艺术家本人的静坐和与观众的互动化为作品，进一步拓展了艺术的定义——艺术不仅包含艺术家自身的行为想法，还包括了观众的反应。20世纪末产生的后现代主义更是以来者不拒的态度，通过摄影作品、平面设计作品、影像作品乃至建筑艺术等方式以质疑模仿挪用手段对消费主义的商业时代进行自觉的洞察与辛辣的讽刺。

时至今日，各种主义的余热尚未褪去，现代艺术已鲜见坚硬的政治棱角，艺术家基于个人品牌塑造开始取悦资本迎合媚俗，以相对温和的姿态对当下社会进行折射调侃；但艺术的续写脚步从未停止，这场观念艺术的游戏仍在继续。

无论时代如何变幻发展，面对层出不穷百花齐放的现代艺术，我们不用纠结于评判作品的好坏，只需要像作者所言，明白“艺术就像个游戏，你真正需要知道的只是它最基本的规则，从而让一度令人困惑的东西开始变得有意义”。换句话讲，只要我们意识到艺术不仅能复刻再现世界的真实与美，还可以作为一种颠覆传统与时俱进的观念游戏以折射影响时代，就能以开放包容的眼光从现代艺术作品中获得共鸣或启迪。

以上就是关于艺术家个人品牌建设相关问题的回答。希望能帮到你，如有更多相关问题，您也可以联系我们的客服进行咨询，客服也会为您讲解更多精彩的知识和内容。