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立体装置艺术作品（立体装置艺术作品小型）
发布时间：2023-07-02 09:19:34
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创意岭 阅读：
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大家好！今天让创意岭的小编来大家介绍下关于立体装置艺术作品的问题，以下是小编对此问题的归纳整理，让我们一起来看看吧。
本文目录:
一、艺术中的装置作品指的是什么？
就是指的“装置艺术”，一般简称“装置”。
这是个概念很模糊的东西，是后现代艺术兴起之后的产物，说实话我虽然是搞艺术理论的，对这个只是有个笼统的概念，根据顾丞峰的《装置艺术》一书，大致可以给出这么些解释：
装置艺术属于非架上艺术，这点可以肯定的。艺术大致分架上和非架上，架上大概就是指的传统艺术类型，而“架上”这个词源也很绕脖子，在西方没有明确的词汇对应。非架上指的就是现代艺术以来出现的装置艺术、行为方式以及视像方式；
杜尚这个人对装置艺术的出现有决定性的作用，也是一个坐标点。他的《泉》，大概是第一件真正意义上的装置作品。从这意义上说，“装置”就是将现成品直接放入与它原本世界完全不同的语境之中，使其成为一种悖论和困惑。它往往具有某种符号性的价值，用实物材料去承担人造符号的意义负载和艺术指称。波伊斯是现当代知名的艺术家，他的不少作品就是典型的装置作品，你可以去了解一下
想说周全实在不容易，只会更混乱，就说这么多吧，希望没误导你。说通俗点，装置就是把一些日常用品经过某些艺术构思展示出来，或者制作一些构造物来表达一定的观念的艺术作品， 它或是现成品的，或是仿制现成品的，或是一种符号性的提炼，它是工业社会的产物，是对机械复制时代的一种抗争和戏谑。
我个人觉得它就是现代意义上的“社会雕塑”，或许只是我不理解它的真谛~
二、国外的一个装置艺术家 把动物整个切片 排列 叫什么名字 谢谢
不知道你说的是不是达明赫斯特，他生于英国，是TBA主要成员，也是1995年特纳奖得主，他的作品是以动物切片为基础的装置艺术。
三、改变空间的美国装置艺术家——Robert Irwin
Robert Irwin（生于1928年9月12日）是一位美国装置艺术家，他经常通过特定场地的建筑干预来探索感知和艺术条件，改变空间的物理，感官和时间体验。
Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (© Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)
他在20世纪50年代开始了他作为画家的职业生涯，但在20世纪60年代转向安装工作，成为先锋，他的工作有助于定义西海岸光与太空运动的美学和概念问题。他的早期作品经常使用光和纱布来改造画廊和博物馆空间，但自1975年以来，他还将景观项目纳入了他的实践。Irwin在盖特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克萨斯州Marfa的Chinati基金会（2001-16）等机构构思了超过五十五个特定场地项目。洛杉矶当代艺术博物馆于1993年首次回顾了他的作品; 2008年，圣地亚哥当代艺术博物馆展出了另一个，他的职业生涯长达五十年。Irwin于1976年获得古根海姆奖学金，1984年3月获得麦克阿瑟奖学金，并于2007年当选为美国艺术与文学学院的成员。他在加利福尼亚州圣地亚哥生活和工作。
Robert Irwin, “Untitled” (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)
起点
Robert Irwin于1928年出生于加利福尼亚州长滩，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。从1946年到1947年在美国陆军服役后，他参加了几个艺术机构：1948年至1950年在洛杉矶的奥的斯艺术学院，1951年在杰普森艺术学院，以及1952年至1954年在洛杉矶的Chouinard艺术学院。他花了未来两年生活在欧洲和北非。1957年至1958年间，他在Chouinard艺术学院任教。
Installation view of “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (partial) (1962), and “Untitled” (partial) (1962), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)
工作
1977年，罗伯特·欧文（Robert Irwin）写下了关于他自己的一些信息：“我开始作为一名画家在一个不知名的地方，几乎没有问题......我的第一个真正的问题涉及我画作的任意性......我用我的画作作为一步一步的过程，每一系列新作品都直接回应了前一系列提出的问题。我首先质疑商标作为意义然后作为焦点;然后我将框架作为遏制质疑，边缘作为我看到的开始和结束...考虑到没有任何东西真正超越其直接环境的可能性......我试图直接回应我所处的每种情况的质量，而不是将其批量转变为新的或理想的环境，而是直接参与其如何的性质当它充满真实和触觉事件时，一个空间怎么可能被认为是空的呢？”（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的艺术概念源于一系列经验感知。作为一个抽象的，思想开明的思想家，他首先将经验作为感知或感觉呈现。他的结论是，一种认识感或识别能力有助于澄清感知。例如，“我们知道天空的蓝色，甚至在我们知道它是“蓝色”之前，更不用说“天空”了。
Installation view of “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011) and “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)
他后来解释说，抽象思想的概念是通过自我的概念在思想中发生的。然后，识别物理形式，将形式传达给社区。然后，客观化合物发生，描绘行为规范和艺术规范，变得可识别。然后边界和公理引入逻辑和推理，并且可以做出决定：归纳法或演绎法。形式主义随之而来，证明并说服了关于被感知对象的决定。Irwin所做的研究表明：“所有的想法和价值都源于经验，它们可以在任何时候分开，并在功能和使用的基础上直接发展，这两者实际上都与条件保持相关，我们的主观和客观存在。”Robert Irwin的哲学将他的艺术观念定义为一系列美学探究，文化创新的机会，与社会的交流互动，以及复杂的历史发展。
劳伦斯·韦斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的着作“ 看见忘记了一件事的名字”中记录了欧文作为南加州年轻人的早期过程，以及他作为后抽象艺术世界的领导者的出现。Weschler在他的书的封面说明中描述了这些作品的迷人和常常令人着迷的品质：
Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014
1980年5月，罗伯特·欧文回到加利福尼亚威尼斯的市场街，到那里他一直保留着一个工作室，直到1970年，他完全放弃了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空间隔壁的大楼里开了一家画廊，并邀请Irwin创建一个装置。
Robert Irwin’s Excursus: Homage to the Square³ at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017
他清理了大的长方形房间，调整了天窗，将墙壁漆成了白色，然后将面向街道的墙面敲了一下，用一块透明的半透明白色平纹棉布代替。房间似乎改变了它的方面与过去的一天：人们来了，坐在对面的路边，看着，有时几个小时。
由于他作品的短暂性或微妙性，本书不仅仅是一本介绍，而且对于许多艺术家和艺术学生来说，罗伯特·欧文的作品经历的主要方式。2007年，他告诉“纽约时报”的 Jori Finkel，人们仍然会在他的讲座上找他签名。在那篇文章中，曾任命欧文“设计我们的Dia：Beacon体验”的LACMA主任迈克尔·戈万表示，他相信这本书“已经说服了更多的年轻人成为艺术家而不是天鹅绒地下乐队创造了摇滚乐手”。
Similar to what Gabriel Dawe’s work, but no way related, here’s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.
绘画
欧文的早期作品始于绘画。1959年，他画了一系列手持物品，并作为个人参展商第二次在洛杉矶的Ferus画廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕萨迪纳艺术博物馆展出。到那时他开始了一系列连续的实验。1962年，他开始在加州大学洛杉矶分校教学，并再次在Ferus画廊展出。那一年，他开始了他的线条画。他于1964年在Ferus画廊展出并展示了他的点画作。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
在1966年至1967年间，他开始画铝盘。他被邀请作为纽约佩斯画廊的个人参展商。1968年，他开始在加州大学欧文分校任教。在接下来的两年里，他开始了他的工作，采用透明的亚克力圆盘，白色凸起结构固定在墙上，并用灯照亮。1970年，他开始研究“柱子”，这是一系列透明的丙烯酸柱。1972年，他开始研究西南地区的“视线”和“地方”。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
光作品
欧文在20世纪70年代首次使用荧光灯。他的场地条件装置Excursus：对Square3的敬意，对画家Josef Albers的冥想以及他对色彩关系的探索，于1998年至2000年间在Dia：Chelsea展出。它由18个小房间组成，被绷紧的纱布墙壁分开; 每个房间的灯光，其值取决于与窗户的距离，通过四个白色和彩色双荧光灯泡增强，每个灯泡垂直悬挂在每个墙壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安装，并将在2017年继续展出。 2015年在纽约佩斯画廊举办的展览中，他安装了多排柱状灯，用彩色凝胶涂抹不同的灯管，改变光的传播。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
安装
自1968年以来，Irwin通过在房间，花园，公园，博物馆和各种城市场所创建装置，专注于场地本身。尤其受约翰·麦克劳林，欧文和其他光与空间艺术家的绘画影响，对于推动艺术和感知的界限变得充满好奇，在20世纪70年代，罗伯特·欧文离开工作室去追求直接涉及光的装置艺术和空间：视觉感知的基础，在室外和改良的室内场所。这些装置允许对艺术家和观众进行开放式探索，通过操纵环境的环境而不是保留个别艺术作品的范围来创造改变的体验。参与光与空间运动的其他艺术家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。
Light and Space, 2007
115 fluorescent lights
271 1/4 × 620 in
689 × 1574.8 cm
1970年，现代艺术博物馆邀请欧文创作装置。使用整个项目空间，Irwin悬挂了一块距离地面10英尺的白色平纹棉布，并在墙上贴上闪闪发光的不锈钢丝。1971年，沃克艺术中心委托艺术家为爱德华拉腊比巴恩斯设计的建筑的首次展览创作无题（倾斜/光/卷）。对于1974年在纽约佩斯画廊安装的软墙，欧文只需清洁并涂上一个长方形的画廊，并在其中一个长墙前面悬挂一个薄薄的，半透明的白色剧院十八分之一的网格，创造出一种效果。空荡荡的房间，一面墙似乎永远失焦。在艾伦纪念艺术博物馆入口走廊的永久性墙壁装置，无题 （1980）的尺寸恰好重复了对面的深层窗户。在20世纪80年代早期，欧文被邀请作为合作艺术家参与设计迈阿密国际机场的复兴和改善。1997年，他在圣地亚哥当代艺术博物馆的拉霍亚分馆改造了一个俯瞰太平洋的房间。为庆祝其成立125周年，印第安纳波利斯艺术博物馆委托欧文创作“光与空间III”（2008），从而成为第一个永久性室内装置艺术家的美国博物馆。对于这件作品，欧文在自动扶梯周围的墙壁上布置了不规则网格图案的荧光灯泡，两侧各有一层稀松布框架; 随着博物馆参观者在楼层之间上下移动，他们穿过这件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位于印第安纳州Fort Wayne的 瑞士再保险公司总部的三层永久灯具，于2012年落成。
1º 2 º 3 º 4º, 1997
Apertures cut into existing windows
115 × 320 × 221 in
292.1 × 812.8 × 561.3 cm
2013年底，欧文的一个33英尺高的丙烯酸柱在圣地亚哥联邦法院大楼揭幕，艺术家在法院的户外广场上与他的长期朋友和合作者，建筑师Martin Poirer和景观设计师Andrew Spurlock合作。这座三层楼高的丙烯酸立柱建于几十年前，但由于一系列不可预见的情况而从未给出适当的住所，当太阳穿过大厅时会折射光线和铸造颜色。柱子的制作和与材料有关的技术问题都由杰克布罗根执行，他是光与空间运动技术演变的核心人物。Brogan发明了将柱子抛光到所需透明度的挑战和技术，并且仍然是该领域的高水位标记。
Prism, 1971
Acrylic
143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in
365 × 15 × 15 cm
对于洛杉矶郡艺术博物馆（LACMA），欧文创建了一个原始棕榈树的户外装置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及一个室内36英尺长的荧光灯雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小时在它们后面发光。
Untitled, 1969
Acrylic lacquer on cast acrylic
53 × 24 1/2 in
134.6 × 62.2 cm
自从21世纪初开始工作并重新设计他的想法为Chinati基金会创建一个巨大的装置后，Irwin在Marfa的装置-一个约10,000平方英尺的U形建筑-将于2015年初开始，并在公众面前完成并向公众开放。该装置位于原军营军营医院的建筑物内，将成为自2004年以来第一个加入Chinati基金会的主要装置，以及第一个由Irwin专门致力于他的工作。
Yellow Jacket, 2015
6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels
72 × 95 1/5 × 3 1/2 in
182.9 × 241.9 × 8.9 cm
其他装置包括：碎裂光-部分平纹棉麻织物-纽约现代艺术博物馆的眼睛水平（1970-1971）; 纽约惠特尼博物馆的黑线室部门+扩展表格（1977年）; 华盛顿特区旧邮政局的48架影子飞机（1983年）;升入法国巴黎现代艺术博物馆（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和双钻石在法国里昂的当代艺术博物馆（1997-1998）。
Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018
Acrylic
119 × 36 × 32 in
302.3 × 91.4 × 81.3 cm
景观项目
Irwin在开发了一个体验空间的风格之后转向了景观项目，将他所学到的线条，颜色以及最重要的光线投射到建筑环境中。自1975年以来，Irwin已经构思了五十五个网站项目。9空间9树（1980-3）最初由西雅图艺术委员会于1980年委托为公共安全大楼的屋顶; 它于2007年重新设想，并位于华盛顿大学的校园内。Irwin的Filigreed Line（1979）为马萨诸塞州韦尔斯利学院制作，由一条不锈钢线组成，沿着湖边的草脊延伸，在其中切割出一些叶状的图案。他的1983年作品“ Two Running Violet V Forms” ，两个穿越蓝色紫罗兰色的塑料涂层铁丝网，用高杆固定，是圣地亚哥加州大学校园内Stuart系列公共艺术品的一部分。对于位于帕萨迪纳市政中心区的 Sentinel Plaza（1990），Irwin选择了小型沙漠植物和仙人掌。他后来咨询了Dia：Beacon的总体规划，特别是创造了室外空间的设计和景观，以及入口建筑和窗户设计。
#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012
Light+shadow+reflection+color
96 × 17 1/4 × 4 1/4 in
243.8 × 43.8 × 10.8 cm
后来他在洛杉矶盖蒂中心设计并开发了中央花园，建于1997年。在中央花园，欧文将体验关系与建筑环境融为一体的概念非常清晰。那些经验元素填补了空间。该项目因其设计和流程而受到广泛赞誉。134,000平方英尺（12,400平方米）的设计拥有天然的峡谷和绿树成荫的走道，引导游客体验景点，声音和气味。他选择了花园里的所有东西来突出光线，色彩和反射的相互作用。规划始于1992年，是盖蒂中心项目的重要组成部分。自该中心于1997年开业以来，中央花园随着植物的发展而不断发展。欧文的声明，“永远改变，永远不会两次相同”，刻在广场楼层，提醒游客这种生活艺术的不断变化的本质。令艺术家感到沮丧的是，20世纪50年代的FernandLéger雕塑被放置在花园的广场上。
Swiss Made, 2015
Fluorescent light, colored gels
72 × 95 3/10 × 3 1/2 in
183 × 242 × 9 cm
Irwin最近完成了2007年洛杉矶郡艺术博物馆安装原始棕榈园的第二阶段。棕榈园以“T”形排列，东西轴线介于两者之间。周围，广泛的当代艺术博物馆和Resnick亭。南北轴线以日期手掌网格终止，作为艺术家Chris Burden的Urban Light装置的对位。欧文长期以来一直对棕榈树如何捕捉和反映南加州的光线感兴趣; 设计棕榈园为Irwin提供了一个机会，可以同时掌握手掌的现象和文化观念。个别种类的棕榈树种植在Cor-Ten箱子中，现代和正式的普通木质育苗箱。雕塑容器参考传统上表示艺术品的基座。Irwin对棕榈树的使用考虑了棕榈树和洛杉矶图像之间无处不在的标志性连接。
四、急求论文关装置艺术设计与立体构成
建筑装饰设计中，整体配饰、尺寸与安全的定位，环保意识的形成，都要求设计人员重新学习，提高自己的设计能力，使高要求客户的服务趋向人性化。 关键字：优秀， 装饰，设计师 作为一名设计人员，要想成为一名合格的设计师，首先他（她）需要具备几种专业和学科的知识 作为一名设计人员，要想成为一名合格的设计师，首先他（她）需要具备几种专业和学科的知识。第一是设计理念，什么是设计，家装设计是为什么而设计，有了设计思路，才能保证设计的到位。谈到设计，最终目标是使生理（身体）得到舒适，心理(精神)得到愉悦。做到这两点，并不是很难，加强知识的积累，对沟通技巧的学习和锻炼可以形成设计思路和理念，达到更好的为客户服务。 第二是人体工程学，他（她）要知道装修居室的具体使用人的情况，包括人的高、矮、胖、瘦，工作和学习的情况。了解之后对设计尺寸、功能分区定位，这样达到人性化装饰。 第三是建筑力学，什么工作都要保证安全，假如安全感没有了，人就会生活在恐惧中，造成对心理的伤害，设计尺寸的安全，设计结构的安全都会影响设计人员的水平。楼层的荷载是均布设计，每一个单位的承重能力是固定的，假如把一个房间总的承重能力放在一点上，就会出现安全问题，引发安去事故，造成影响和损失。 第四是色彩学，要想使三维空间的色彩融为一体，具备一定色彩学的知识是设计人员必修的课程，色彩的的颜色和深浅，直接影响装修的最终效果。黑、白、灰三色和红、黄、兰三原色派生出千般色彩，取其中一点，就能使装饰空间蓬荜生辉。色彩合理搭配，使观感得到满足，产生放松的感觉，使家成为休息、休养的静地，得到温暖。 设计专业属于艺术学的一类，它与艺术学内的各专业有密切联系，书画和工艺美术与设计专业联系最密切。书画作品的运用，书画的写作手法和意境，使室内设计增添了艺术的内容和文化的气息。工艺美术作品的运用是室内设计在艺术上表现的又一形式，工艺美术中地毯、壁挂、雕塑、工业造型、室内配饰等是室内设计必不可少的修饰手法，为设计的一部分，体现设计的水平和效果，与设计相融一体，共同为人类服务。 作为设计师，在实践工作中成为优秀的设计师，还需要几种专业和学科的知识，其中心理学在与人沟通的时候应用最多，中医理论有望、闻、问、切，运用心理学在与人沟通时有察言观色，只有了解客户的心里活动和生活需要，才能切实的为客户服务到位，分析心理活动，需要丰富的知识，心理学不是孤立存在，它的熟练运用是各学科知识的集体运用，学好心理学，同时也需要对其它学科的学习。 民族学在与客户沟通时也发挥一些作用，特别是少数民族的客户，在中华民族这个大家庭里，五十六个民族就象兄弟姐妹一样相融一体，构成了中华民族，五十六个民族各有特征，通过对不同的文化、社会生活、服饰、生活习惯、民俗等方面的分析，能够得到客户的实际需要和要求，达到服务的目标。 美学在社会生活中的体现无处不在，世间万物各具有灵性，山、水被古代文人赋予美的化身，花、草、树木、飞禽走兽都各有美的一面。美学是人类在社会实践过程中逐渐总结出来的思想，人类做为社会中的一员，极具智慧，集天下之美于一身。美学在人类中发挥着微妙的作用，人能感觉到它的存在，但不知道它的踪迹。 哲学在设计中的体现是物法自然，与自然相融是设计的最终目标，自然相融是人性化的标志，设计为人类服务，要以人为本，人生活在地球上，又要维持生态平衡，设计最终不能以破坏生态平衡为代价来为人类服务，哲学是客观规律形成文字的一种思想，符合客观规律的发展，使人类社会良性发展。 设计专业中与文学的关系也很密切，设计中的最后意境是体现什么思路，它的风格形成与文学的抒情意境藕断丝连，文学的意境和笔法直接借鉴到设计专业中，会使设计效果增添光彩。文学写作中的大写意和小推敲用到设计专业中，体现为设计的最后效果和精点装饰，点与面的关系使事物达到美感和实用，文学写作用到的借景、比喻等手法更能使设计增添亮点。设计与文学的互补作用，使设计在实用和美观方面更上层楼。 设计与众专业和学科的融合使设计最终的效果趋向完美，达到物我交融的境界。设计在社会生活中，对人类的影响是巨大的，从人类基本的居室设计、服饰设计、饮食设计，到社会中车、船、飞机等行的设计，再到轻工业、重工业、制造业中的设计。设计水平的高低直接决定社会生活中各种需求的质量高低，提高设计师的设计水平是人类社会生活质量的重要保证。
以上就是关于立体装置艺术作品相关问题的回答。希望能帮到你，如有更多相关问题，您也可以联系我们的客服进行咨询，客服也会为您讲解更多精彩的知识和内容。
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